RESUMESEJARAH SENI RUPA BARAT

Disusun Oleh :ALVIQRA ASWAT

(0731713)

Dosen Pembimbing :ELVIS, S.Sn, M.Sn

JUPRINALDI, S.Sn, M.Sn

KEMENTERIAN PENDIDIKAN DAN KEBUDAYAANINSTITUT SENI INDONESIA PADANG PANJANG

FAKULTAS SENI RUPA DAN DESAINJURUSAN SENI MURNI

2015/2016

SEJARAH SENI RUPA BARAT

A. Yunani Kuno

1. Sejarah Seni Rupa Yunani

Yunani kuno tidak diragukan lagi merupakan salah satu peradaban paling berpengaruh dalam sejarah umat manusia. Dari daerah yang terletak di ujung semenanjung Balkan ini, tercipta dan berkembang berbagai hal penting, misalnya demokrasi, alfabet, filsafat, teater, dan ilmu pasti. Yunani kuno berlangsung dari periode Arkhaik, pada abad 8-6 SM, hingga tahun 146 SM ketika Romawi menaklukan Yunani setelah Pertempuran Korinthos. Pusat dari periode ini disebut Yunani Klasik, yang berlangsung dari abad 5-4 SM, dan diawali oleh keberhasilan Yunani, dengan dipimpin oleh kota Athena, dalam memukul mundur serangan dari Persia. Zaman Emas Athena berakhir setelah Sparta mampu mengalahkan Athena dalam Perang Peloloponnesos.

Setelah kematian Aleksander Agung, kekaisarannya terpecah menjadi empat, dan salah satunya adalah Yunani, yang bertahan sampai 168 SM, ketika akhirnya Makedonia ditaklukan oleh Romawi. Keseluruhan Yunani sendiri benar-benar dikuasai oleh Romawi pada 146 SM. Pada Periode Klasik, budaya Yunani berkembang pesat, dan tersebar ke penjuru Laut Mediterania melalui Kekaisaran Athena, selain juga oleh para pedagang, imigran, dan penakluk dari Yunani. Yunani Klasik sangat berpengaruh terhadap Kekaisaran Romawi, yang pada gilirannya menyebarluaskannya ke seluruh penjuru Mediterania dan Eropa di bawah kekuasaan Romawi. Karena alasan inilah, Yunani Klasik dianggap sebagai pondasi bagi peradaban Barat.

2. Seni Rupa Yunani Kuno

Dalam masalah kesenian bangsa Yunan hampir dalam segala hal lebih maju dari bangsa-bangsa Timur, kesenian Yunani berdiri sendiri dan tidak dipengaruhi kesenian bangsa lain bahkan banyak mempengaruhi kesenian bangsa lain. Hal ini ialah karena bangsa Yunani menerapkan filsafat dan intelektual ke dalam penciptaan karya seni mereka. Seni Yunani kuno secara umum terbagi menjadi lima bentuk, yaitu arsitektur, patung, lukisan, tembikar, dan musik. namun disini kami hanya akan membahas khusus dibidang senirupa yaitu arsitektur, lukisan, seni patung dan peninggalan karya tembikar.

a. Arsitektur

Arsitektur meliputi rumah, bangunan suci seperti kuil dan makam, bangunan umum seperti dinding kota, teater, stadion, dan stoa. Situs terkemuka seperti Sesklo dan Dimana, sudah memiliki jalan dan alun-alun. Hal tersebut menjadikannya contoh tata ruang kota purbakala di daratan Eropa. Situs penting

2

lainnya yaitu Dispilio, tempat penemuan sabak kuno dengan guratan-guratan seperti tulisan kuno. Peradaban Minoa merupakan peradaban Zaman Perunggu pertama di kawasan Yunani. Peradaban tersebut muncul di pulau Kreta dan berkembang sekitar 2700 SM sampai 1500 SM, namun awal perkembangannya terjadi pada masa jauh sebelum itu. Pada Zaman Perunggu Awal, di tengah-tengah suatu desa dibangun satu rumah yang paling besar, dan dinding batunya juga lebih besar. Pada Zaman Perunggu Akhir, dengan dipengaruhi Asia Barat, dan juga Minoa di Kreta, ada istana dan makam batu besar, selain juga jalan berubin, jembatan, bendungan, dan lebih banyak dinding batu.

Pada Zaman Kegelapan Yunani, istana-istana dibakar, sedangkan jalan dan jembatan dihancurkan. Namun pada akhir Zaman Kegelapan, dengan dimulainya Zaman Besi dan periode Arkaik di Yunani, bangunan jenis baru pun mulai dibuat, di antaranya kuil para dewa. Kuil jenis awal ini dibangun dengan gaya Doria. Ada pula perumahan, namun tidak ada istana. Selain itu, jalan, jembatan, dan dinding batu juga dibangun lagi.b. Seni Patung

Patung meliputi figurin, arca, relief, dan batu nisan. Tidak banyak patung Yunani yang masih ada pada masa modern. Pada Abad pertengahan, patung-patung Yunani kurang dihargai, sehingga banyak patung Yunani kuno yang dibakar untuk kemudian dijadikan bahan bangunan. Di banyak situs arkeologi besar Yunani, terdapat tempat pembakaran kapur Abad Pertengahan, yang dulu digunakan untuk membakar patung Yunani kuno. Beberapa patung Yunani dikenal tidak dari patung aslinya, melainkan dari tiruannya yang dibuat oleh Romawi.

Periode gaya patung Yunani kuno terbagi menjadi beberapa tahap, yaitu sebagai berikut: Patung Zaman Batu, Patung Zaman Perunggu, Patung Zaman Kegelapan, Patung Arkaik, Patung Severe, Patung Klasik, Patung Hellenistik.

c. Seni Lukis

Keberadaan seni lukis Yunani hanya dapat diketahui dari literature-literatur Yunani Kuno. Hal ini disebabkan karya-karya lukisan Yunani musnah dan tidak ada peninggalannya sama sekali. Dari literature-literatur diketahui bahwa para seniman lukis Yunani pada zaman itu belum menguasai perspektif dan gelap terang (cahaya). Lukisannya bersifat dekoratif. Hal ini berawal dari lukisan jembangan pada zaman Kreta. Lukisan pada jembangan banyak menampilkan motif-motif kelautan, seperti rumput laut, ubur-ubur, ikan, karang, gelombang, dsb. Perkembangan berikutnya pada abad 10 SM muncul motif-motif geometris pada seni hias jembangan. Motif-motif lainnya berupa motif binatang, manusia yang ditampakkan dengan warna hitam pada jembangan tanah liat yang berwarna merah. Terdapat juga motif-motif kisah-kisah mitologi dan kepahlawanan. Pelukis Yunani

3

yang terkenal yang tercatat dalam literature Yunani Kuno adalah Polygnatos dan Apelles.

Dari sumber-sumber tertulis, diketahui bahwa orang Yunani mulai melukis sejak Zaman Perunggu hingga penaklukan oleh Romawi dan bahkan terus setelah itu. Akan tetapi, sebagian besar lukisan Yunani kuno telah hilang atau hancur. Yang aneh adalah bahwa pada masa kini ada lebih banyak lukisan dari periode yang lebih lama dari pada lukisan dari periode yang lebih baru. Ini karena beberapa lukisan Zaman perunggu terkubur oleh letusan gunung berapi (misalnya di Pompeii) dan yang lainnya terkubur akibat gempa bumi, sehingga lukisan-lukisan itu tidak hancur dan dapat ditemukan kembali. Sedikit dari lukisan dari periode yang lebih baru ditemukan pada dinding makam di bawah tanah, yang membuat lukisan-lukisan ini tidak hancur.

Lukisan-lukisan terawal dibuat oleh kebudayaan Minoa di pulau Kreta. Orang-orang Minoa menghiasi istana (istana Knosus) para penguasa mereka dengan lukisan. Lukisan orang Minoa tidak digantung di dinding, melainkan langsung dilukis pada dinding. Lukisan jenis ini disebut juga fresko.

Lukisan-lukisan lainnya, yang berasal dari masa yang sama, ditemukan di pulau Thera (disebut juga Santorini), yang terletak di tengah-tengah Laut Aigeia di antara pulau Kreta dan Yunani. Lukisan-lukisan di Akrotiri menunjukkan gambar-gambar bentang alam dan tumbuhan, yang juga banyak dilukis oleh orang Kreta. Mungkin orang Akrotiri mengagumi orang-orang Kreta, yang ketika itu sangat berpengaruh, dan ingin meniru seni di Kreta. Selain di pulau-pulau di Laut Aigeia, lukisan Yunani kuno juga ditemukan di istana para raja Mykenai di Yunani daratan.

d. lukis Tembikar

Sebagian besar seni Yunani kuno diketahui pada masa kini dari gambar-gambar yang dilukis pada tembikar. Salah satu kelebihan tembikar adalah bahwa meskipun benda ini dapat pecah, potong-potongannya dapat disatukan kembali. Selain itu banyak tembikar yang ditemukan dalam keadaan utuh, khususnya di makam-makam Etruska.

Disekitar + 500 Sm terjadi perubahan dalam pemberian warna pada permukaan jambangan. Semula motif manusia diberi warna hitan dengan dasar jambangan berwarna merah, kini sebaliknya, permukaan jambangan diberi warna hitam dan bagian gambarnya dibiarkan tinggal merah seperti warna tanah liatnya. Gaya “hiasan merah” inilah yang dikenal banyak orang dan mencapai puncak gemilangnya dalam masa itu.

4

Gaya lukis pada tembikar Yunani berubah-ubah seiring waktu, mulai dari Zaman Batu hingga periode Hellenistik. Salah satu pembagian periode gaya tembikar Yunani kuno adalah sebagai berikut: Tembikar Zaman Batu, Tembikar Zaman Perunggu Awal, Tembikar Zaman Perunggu Akhir, Tembikar Zaman Kegelapan (Sub-Mykenai), Tembikar Geometris, Tembikar Figur Hitam, Tembikar Figur Merah.

3. Periode Klasik

Athena mendominasi kebudayaan Yunani dalam periode Klasik. Pada masa pemimpin Pericles, Athena berkembang dalam filsafat, sastra, arsitektur, dan seni rupa karena Yunani merayakan kemenangan atas ancaman penaklukan bangsa Persia. Proyek budaya yang utama dari periode itu adalah pembangunan kembali Akropolis, tempat keagamaan Athena yang telah dihancurkan oleh bangsa Persia. Hasil seni bangun Yunani yang termegah adalah Parthenon. Kuil ini dirancang oleh arsitek Ictinus dan Callicrates dan telah lama dianggap sebagai salah satu bangunan paling indah susunannya.

Parthenon di Akropolis Athena, dibangun sekitar 500 SM, ikon peradaban Yunani Kuno.Karya seni bangunan ”Parthenon” yang terkenal dari Yunani

Zaman Yunani Tengah dan zaman Gemilang. Seperti halnya seni Mesir, seni bangunan dan seni patung sangat menonjol dalam kebudayaan Yunani. Bentuk

5

tiang pada seni bangunan Yunani sangat terkenal menyebar dan mempengaruhi berbagai bentuk bangunan bangsa-bangsa di dunia pada masa sesudahnya. Pada masa Gemilang, seni patung Yunani mencapai masa masa kejayaaanya. Penemuan proporsi manusia yang mendekati sempurna merupakan penemuan besar dalam perkembangan seni dunia. Bentuk-bentuk patung Yunani banyak di jumpai diberbagai belahan dunia dan mengilhami bentuk-bentuk patung seniman modern saat ini. Tidak seperti seni patung dan seni bangunan, seni lukis Yunani tidak terlalu istimewa. Seni lukis Yunani diketahui berdasarkan keterangan pada literatur-literatur atau aplikasinya pada benda kebutuhan sehari hari seperti vas dan kendi. Motif seni lukis Yunani awalnya bersifat dekoratif. Pada abad 10 SM baru dikenal motif geometris, abad ke 8 SM dikenal motif manusia dan baru pada abad ke 6 SM muncul motif dengan penggambaran kisah-kisah mitologi dan kepahlawanan. Pada periode Klasik, dibangun lebih banyak lagi kuil, dengan ukuran yang lebih besar dan rancangan yang baru. Orang Athena membangun Parthenon pada tahun 440-an SM. Pada masa ini kuil dibangun dengan gaya Ionia.

1. Arsitektur Masa Klasik

Yunani Secara ilmu bangunan mengembangkan tiga gaya:

a. Orde doria.

Terlihat pada kuil-kuil peninggalan bangsa Doria antara lain kuil Hera, kuil Parthenon, kuil Paestum dan lain-lain. Bangunan kuil tersebut dibuat dengan pengaturan sebagai berikut.

Tiang tidak memakai alas kaki. Tubuh tiang dihiasi dengan enam belas gerigi (cannel) dengan sisi yang bertaut. Kepala tiang terdiri atas balok bundar di atas nya ada sebuah balok papan

penutup berbentuk persegi sering dilukisi dengan hiasan garis-garis bersiku tegak.

Kaso induk merupakan balok licin. Di atas kaso induk terletak kaso-kaso, pada setiap ujungnya di pasangkan

tryglyph, diantar tryglyph terdapan papan pualam berhias.

b. Orde ionia.

Terlihat pada kuil erchteion dan kuil Nike. Bangunan tersebut dibuat dengan pengaturan.

Tiang mempunyai alas kaki Tubuh tiang lebih langsing dengan gerigi lebih kecil yang berjumlah 24

sekeliling tiang. Kepala tiang berbentuk bantal berukir, bagian luarnya melengkung bulat

yang diikat oleh ukiran

6

Tempat hiasan dibuat memanjang.

c. Orde Korinthia.

Bentuk ini hadir sebagai selingan orang Ionia dalam membuat capital tiang. Variasi ini terdapat pada Monumen Lysikrates dan kuil Zeus di Anthena. Seniman pahat yang membuat kepala tiang korinthia yang bagus-bagus adlah pemahat Kallymachos.

Ciri-ciri tiang Korinthia;

a. Kepala tiang merupakan bunga yang diukir sekelilingnya.b. Ukiran tangkai bunga disusun dua-dua yang ujungnya bergelung-gelung

dibawah architrave.c. Keempat gulungan ujung gagang bunga menghadap ke setiap penjuru,

sehingga kepala tiang ini dapat dipakai oleh tiang manapun juga.

Beberapa penggunaan tiang pada suatu bangunan kuil terdapat beberapa istilah, yaitu; Empat tiang disebut tetrastylo, enam tiang disebut hexastylos, delapan tiang disebut oktastylos. Istilah ini untuk bagian depan bangunan kuil. Sedangkan untuk menghitung jumlah tiang diberanda samping biasanya dua kali jumlah tiang beranda muka ditambah satu.

2. Seni Patung Yunani Masa Klasik

Karya patung zaman Archaga (+ 1000 – 380 SM) menunjukan adanya pengaruh seni patung berdiri Mesir kuno. Pada karya bangsa Doria kebanyakan membuat patung laki-laki yang tampak lugu, angkuh dan kekar. Sedangkan karya bangsa Ionia tampak lebih mengandung perasaan. Kebanyakan patung wanita dengan sikap duduk atau berdiri. Sikapnya manis mengesankan gerak dengan wajah senantiasa tersenyun.

Pada perkembangan selanjutnya, kemudia ada tiga pematung yang menggabungkan Seni Doria yang perkasa dan agung dengan Seni Ionia yang penuh perasaan dan keindahan sehingga timbul gaya attis (Attica). Ketiga seniman tersebut adalah Phidias, Myron, dan Polykleitos. Menurut sejarah mereka ini adalah murid pematung Hagelades dari Argos. Karya patung gaya attis kemudian dilanjutkan oleh pematung-pematung muda (sebagai ajaran Attis baru), mereka ini adalah Praxiteles dan Lysippos.

7

patung orde Doria patung orde ionia patung orde korinthia

Seni patung corak Ionia mempunyai ciri-ciri sebagai berikut:

1. Mewujudkan bentuk perempuan sebagai lambang Dewi.2. Sikap duduk dan berdiri mengesankan gerakan.3. Wajah tersenyum ramah.4. bentuk lebih harmonis.

Seni patung corak Doria, ciri-cirinya sebagai berikut:

1. Mewujudkan bentuk laki-laki sebagai lambang Dewa.2. Mengesankan sikap orang berjalan dengan kaki kiri melangkah ke depan.3. Proporsi tidak realistis.4. Wajah bulat dengan senyum angkuh dan bibir sedikit terbuka.

B. Hellenisme

Hellenisme diambil dari bahasa Yunani kuno Hellenizein yang berarti “berbicara atau berkelakuan seprti orang Yunani”. Hellenisme klasik: yaitu kebudayaan Yunani yang berkembang pada abad ke-6 dan ke-5 SM. Hellenisme secara umum: istilah yang menunjukkan kebudayaan yang merupakan gabungan

8

antara budaya Yunani dan budaya Asia kecil, Syiria, Metopotamia, dan mesir yang lebih tua. Lama periode ini kurang lebih 300 tahun, yaitu mulai 323 SM (masa Alexander Agung atau meninggalnya Aristoteles) hingga 20 SM.

Hellenisme di bagi menjadi dua fase, yaitu fase Hellenisme dan fase Hellenisme Romawi. Fase Hellenisme adalah fase yang ketika pemikiran filsafat hanya dimiliki oleh orang-orang Yunani. Adapun fase Hellenisme Romawi ialah fase yang sudah datang sesudah fase hellenisme, dan meliputi semua pemikiran filsafat yang ada pada masa kerajaan romawi, yang ikut serta membicarakan peninggalan pikiran Yunani, antara lain pemikiran Romawi di barat dan di timur yang ada di mesir dan di siria. Fase ini dimulai dari akhir abad ke-4 sebelum masehi sampai pertengahan abad ke-6, Masehi di Bizantium dan roma, atau sampai masa penerjemahan di dunia arab.

Ciri pemikiran filsafat yunani ialah adanya cara berpikir yang tidak relawan dengan realitas yang ada atau keberadaan yang benar-benar nyata menurut pemahaman filosofis bukan eksistensi yang sesungguhnya, karena setiap realitas menyembunyikan hakikatnya yang paling hakiki, sebagaimana adanya api yang kemudian padam.

Meskipun Plato dan Aristoteles telah berhasil memadukan pikiran-pikiran filsafat yang sebelumnya, keduanya tidak dapat melarutkan sama sekali, karena pikiran-pikiran filsafat tersebut adalah pemikiran bermacam-macam aliran yang boleh jadi berbeda-beda pandangannya terhadap hidup dan alam ini. Aliran-aliran ini adalah:

1. Natural phylosophy dengan Democritas sebagai tokohnya dan filosof-filosof Lonia, yang menghargai alam dan wujud benda setinggi-tingginya.

2. Aliran Ketuhanan” yang mengakui zat-zat yang metafisik, diwakili oleh “aliran Elea” dan Socrates, yang mengatakan bahwa sumber alam indrawi adalah sesuatu yang berada di luarnya.

3. “Aliran Mistik” dengan Pythagoras sebagai tokohnya, yang bermaksud memperkecil atau mengingkari nilai alam indrawi.

4. “Aliran Kemanusiaan” yang menghargai manusia setinggi-tinggi dan mengakui kesanggupannya untuk mencapai pengetahuan, serta menganggap manusia sebagai ukuran kebenaran.

5. Aliran-aliran filsafat tersebut telah mempengaruhi hasil pemikira filosof-filosof yang mendatang, bagaimana pun kuat dan besarnya filosof-filosof.

6. Pada fase Hellenisme-Romawi, meskipun keseluruhan masa hellenisme-romawi mempunyai corak yang sama, apabila mengingat perkembangannya, maka dapat dibagi menjadi tiga masa, dan tiap-tiap masa mempunyai corak tersendiri.

Masa pertama, dimulai dari empat abad sebelum masehi. Aliran-aliran yang terdapat di dalamnya ialah:

9

1. Aliran Stoa (Ar-Riwaqiyyah) dengan Zeno sebagai pendirinya. Ia mengajarkan agar manusia jangan sampai bisa digerakkan oleh kegembiraan atau kesedihan (jadi tahan diri dalam menghadapinya) dan menyerahkan diri tanpa syarat kepada suatu keharusan yang tidak bisa ditolak dan yang menguasai segala sesuatu.

2. Alir epicure, dengan epicure sebagai pendirinya. Aliran ini mengajarkan bahwa kebahagian manusia merupakan tujuan utama.

3. Aliran skiptis (ragu-ragu)  yang meliputi “ aliran phyro” dan “aliran akademi baru”. Aliran skeptis mengajarkan bahwa untuk sampai pada kebenarannya, manusia haruspercaya dulu bahwa segala sesuatu itu tidak benar,  kecuali sesudah dapat dibuktikan kebenarannya. Ajaran lain ialah bahwa pengetahuan manusia adalah tidak akan sampai pada kebenaran, atau dengan perkataan lain mengingkari kebenaran mutlak (objektif)

4. Aliran eliktika-pertama (aliran seleksi)

Masa kedua, dimulai  dari pertengahan abad sebelum masehi sampai pertengahan abad ketiga masehi. Aliran ini terdapat pada masa ini ialah:(1) aliran peripateki terakhir; (2)aliran stoa baru; (3) aliran epicure baru; (4) aliran pythagoras; dan (5) aliran filsafat yahudi dan plato.

Masa  ketiga, dimulai dari abad ketiga. Masehi sampai pertengahan abad keenam masehi di bizantium dan roma, atau  sampai pertengahan abad ketujuh atau kedelapan di iskandariah dan timur dekat (asia kecil). Pada masa ketiga ini, kita mengenal aliran-aliran; (1) neoplatonisme; (2) iskadariyah; (3) filsafat diasia kecil, yang terdapat di antiochia, harran, ar-ruha, dam nissibis. Aliran-aliran ini merupakan kegiatan terakhir menjelang timbulnya “aliran bagdad” yaitu aliran filsafat islam.

Diantara aliran-aliran filsafat dari masa ketiga, neoplanisme-lah yang terpenting dan yang paling banyak pengaruhnya terhadap filsafat islam. Aliran neoplatonisme merupakan rangkaian terakhir atau rangkain sebelum terakhir dari fase hellenisme-romawi, yaitu fase mengulang yang lama dan bukan fase mencipta yang baru. Neoplatonisme ini juga masih berkisar pada filsafat yunani, tasawuf timur yang meramu dari masa filsafat yunani serta menggabungkannya.

Uberweg dalam bukunya Geschihte der Philosophie mengatakan bahwa aliran Neoplatonisme dimulai dari abad pertama masehi dan berakhir pada pertengahan abad keempat masehi, sedang menurut penulis lainnya berakhir pada pertengahan abad ke tujuh masehi adalah masa aliran iskandariyah yang mengantikan aliran neoplatonisme.

Perbedaan kedua aliran tersebut ialah:1. Neoplatonisme berkisar pada segi metafisika pada filsafat yunani, yang

boleh jadi dalam beberapa hal berlawanan dengan agama masehi, sedangkan aliaran iskandariyah lebih condong kepada matematika serta

10

alam dan meninggalkan lapangan metafisika, dan keadaan ini bisa menyebabkan tidak adanya perlawanan dengan agama masehi.

2. Neoplatonisme lebih banyak mendasarkan pikirannya kepada seleksi dan pemaduan, sedangkan aliran iskandariyah lebih banyak mengadakan ulasan-ulasan terhadap pikiran-pikiran filsafat.

C. Romawi Kuno.

1. Sejarah RomawiRomawi ialah peradaban dunia yang letaknya terpusat di kora roma masa

kini. Peradaban romawi dikembangkan suku latia yang menetap di lembah sungai tiber. Suku latia menamakan tempat tinggal mereka latium, yang merupakan kawasan lembah pegunungan yang tanahnya baik untuk pertanian. Penduduk latium kemudian disebut bangsa latin. Bangsa latin hidup dan berkembang serta menghasilkan peradaban yang tinggi nilainya. Waktu berdirinya kota roma yang terletak di lembah sungai tiber tidak diketahui secara pasti. Legenda menyebutkan bahwa roma didirikan dua bersaudara keturunan Aenas dari yunani, Remus dan Romulus.

Roma berhasil mendudukkan bangsa-bangsa yang tinggal disekitarnya satu persatu, baik dengan jalan kekerasan maupun jalan damai. Hingga akhirnya roma berhasil menguasai seluruh italia tengah.pada tahun 500 sm bangsa latium memberontak terhadap kerajaan etruskia dan berhasil memerdekakan diri serta mendirikan negara sendiri yang berbentuk republik. Bangsa romawi yang semula petani, berhasil menjadi penguasa besar dan menjadi masyarakat kapitalis dan materialis.Dengan stabilitas pemerintahan pada masa kaisar Octavianus maka mulailah bidang kebudayaan mendapat perhatian. Bangsa romawi juga ahli dalam pembuatan patung terutama patung setengah dada atau potret. Bentuk wajah dibuat sangat teliti, sedangkan tubuh dan bagian lainnya dibuat sangat sederhana. Orang romawi dalam membuat patung, memiliki kebiasaan yang sama dengan bangsa yunani. Dalam membuat patung orang-orang romawi selalu mematungkan tokoh-tokoh penguasa, politik, dan cendikiawan.

Gambar wajah para tokoh ini selain dipatungkan juga dilukiskan pada mata uang logam bangsa romawi yang senang membuat bangunan monumental menyebabkan bangsa ini kaya akan hasil bangunan berupa monumen dan kuil. Pada banguan monumen diberi relief yang menggambarkan peristiwa kemenangan. Peninggalan seni monumen ini terdapat di roma dan dibeberapa daerah jajahan romawi. Peninggalan seni bangunan romawi pada masa kekaisaran ini jumlahnya sangat banyak, antara lain : 1. Kuil zeus yang didirikn di olympia.2. Kuil jupiter heliopalitanus di baálbek, syria.3. Pantheon merupakan kuil yang kemudian digunakan untuk gereja.4. Mousoleum di roma.

11

5. Teater di pompei, solona, asperados.6. Amphiteater.7. Thermen merupakan tempat pemandian.8. Bangunan istana.9. Gerbang kemenangan..10. Tiang kemenangan.

Pada masa gothik (100-1400 m), kebudayaan romawi tidak dapat dipisahkan dari perkembangan agama kristen. Ketika penguasa roma memusuhi para pengikut agama kristen, di roma secara sembunyi-sembunyi berkembang seni katakomba. Katakomba sendiri merupakan kuburan-kuburan bawah tanah.karya seni kristen awal ini antara lain lukisan-lukisan kristus sebagai pengembala yang baik. Yang mengembangkan seni ini bukanlah seniman. Tapi bagi mereka yang terpenting adalah dapat mengungkapkan arti dan ide melalui lukisan sebagai bakti mereka kepada agama kristen. Namun, justru seniman-seniman katakomba ini menjadi pelopor seni nonrelistik pada abad pertengahan.

2. Gaya Klasik Romawi.a. Seni Bangunan.

Diseluruh tempat yang pernah dikuasai romawi terlihat hasil kesenian bangunan. Kesemua bangunan itu dikerjakan oleh tentara romwi dibawah pimpinan beberapa ahli bangunan. Hasil kerja ini menhilangkan semua bentuk hias, sehingga merupakan hasil kerja yang kasar, sederhana, tapi dasyat. Di samping bangunan gaya militer, dibangun pula kota roma yang megah.

Perbaikan yang terdapat pada seni bangunan romawi adalah penempatan langit-langit lengkung yang dibuat pada kul-kuil dan bangunan profan yang lebih diperluas. Pada bentuk ini ada tiga macam bentuk langit-langit lengkung, yakni :- Langit-langit lengkung panjang.- Langit-langit silang.- Langit-langit punjung atau kubah.

b. Kuil-kuil.Kuil-kuil bangsa romawi dalam bentuk keseluruhannya

menyerupai bentuk kuil yunani. Kuil dengan langit-langit lengkung adalah pantheon di roma. Kuil ini merupakan kuil paling besar. Cella yang berbentuk persegi panjang dari kuil agrippa selama pemerintahan kaisar Adrianus diganti dengan ruang yang luar biasa luasnya dalam bentuk bundar. Diatasnya terdapat kubah dari beton. Dan didalamnya diletakkan patung-patung dewa dari emas.

c. Seni Banguan Profan.

12

Bangunan-bangunan profan bagi bangsa romawi yang sangat penting adalah istana-istana, basilika, teater-teater, anphi theater, sirku-sirkus, gerbang-gerbang peringatan dan makam-makam.

d. Seni Patung.Seni patung romawi adalah kelanjutan dan sebagian pengikut dari

seni patung yunani. Banyak sekali patung-patung yunani yang di tiru. Sering kali peniruan patung ini di buat dari batu pualam yang patung aslinya dibuat dari perunggu. Bangsa romawi banyak juga yang membuat relief. Kebanyakan menceritakan tentang sejarah, dengan tema peperangan. Hasil karya patung bangsa romawi yang terbaik adalah patung potret. Lambat laun kemahiran pematung menjadi merosot dan akhirnya menjadi keruntuhan total dari seni klasik.

e. Seni Lukis.Seni lukis romawi dapat dijumpai didalam rumah-rumah bangsawan

di kota pompei. Lukisan ini merupakan lukisan dinding dari kapur lembab. Ciri-ciri yang jelas adalah unsur-unsur perspektif yang dikemukakan bertentangan atau berlawanan denagn pengertian hiasan datar.di dalam istana romawi terdapat lantai-lantai dalam bentuk mozaik yang memperlihatkan suasana ilusionis disebabkan unsur perspektif serta gelap terang di pergunakan.

3. Seni Rupa Romawi.Selama masa republik dan kekaisaran romawi, banyak sekali patung

yang dibuat. Sekitar tahun 200 sm, romawi mulai menaklukkan yunani, dan hal ini sangat mempengaruhi gaya seni mereka. Mereka sangat mengagumi karya seni yunani. Ada banyak lukisan dinding pada masa ini. Pada abad pertama masehi kadang dibagi menjadi beberapa gaya berbeda. Gaya pertama adalah lukisan dinding yang membuat dinding rumah nampak seperti dibuat dari marmer. Gaya kedua adalah lukisan dinding yang dihiasi dekorasi bunga, burung, tanaman, atau buah-buahan. Gaya ketiga adalah lukisan dinding yang dihiasi gambar-gambar manusia. Selain itu, ada pula berbagai variasi lain.

Sarkofagus dengan relief adegan pertempuran antara romawi melawan jermanik (180-190 m). Gaya keempat yakni tembikar. Tembikar romawi diawali dengan meniru gaya tembikar etruria, namun berkembang dengan gayanya sendiri. Secara umum, tembikar di italia memiliki satu warna dan dekorasinya pun di cetak, tidak seperti yunani yang hiasannya di lukis. Setelah menaklukkan asia barat, romawi pun mengembangklan seni tembikar mereka dengan belajar dari para seniman asia barat.

D. Awal Mula Kristen Awal.

13

Pada awal mula, masuknya agama kristen di eropa benar-benar dilakukan secara diam-diam dan dilakukan dibawah tanah. Agama kristen yang masih baru ini berbentuk suatu perkumpulan secara masal dan dilakukan dalam katakom (kuburan bawah tanah). Dalam perkumpulan yang mereka lakukan, mulailah dilakukan adanya sekolah ilustrasi dan menulis indah, yang kemudian ilustrasi itu digunakan dalam kitab agama. Pada awalnya, kristen menolak adanya penggambaran pola0pola dekoratif yang mengambarkan hal-hal yang bersiaft agamais dan spiritualis. Karna di dalam agam kristen dilarang menggambar manusia secara utuh dalam bentuk apapun, maka eropa mengalami kemunduran dalam berkarya.

Pada awalnya mereka mampu menggambarkan manusia dengan sangat naturalistik sekali, atau patung manusia dengan gaya yang sangat luwes dan nyata, serta draperi yang sangat sempurna. Karena pengaruh kristen kemudian menjadikan gaya dari seni rupa mereka menjadi abstraksi. Simbolisme menjadi sangat penting dengan penggunaan lambang-lambang dalam seni rupa agama kristen.

Pola pikir yang dianut menunjukkan kepercayaan terhadap ajaran kristen yang doqmatik ini berlanjut kurang lebih selama 1000 tahu sampai dengan zaman gothik. Pada periode ini disebut sebagai zaman kegelapan dimana perkembangan kebudayaan dan peradaban di barat tidak berkembang.

1. PERIODE MASA KRISTEN AWAL.a. Periode Pengejaran (0-325 M).

Umat kristiani mengalami perlakuan yang kejam dari bangsa romawi. Rakyat menjadi korban dan mangsa perburuan untuk mangsa binatang-binatang buas pada kekaisaran di bawah kepemimpinan kaisar nero. Umat kristiani pada prinsipnya menolak pemujaan terhadap kaisar. Prinsip yang diutamakan dalam agama adalah nilai rohani dan lebih berinstropeksi pada diri sendiri. Ajaran ini dilaksanakan secara sembunyi-sembunyi untuk menghindari kejaran pemerintah pada waktu itu. Slogan yang sering dicanangkan oleh kaum nasrani pada waktu itu adalah öne god, one religion, ang one church”. Karya arsitektur pada saat ini ada dua yakni pada bangunan bawah tanah dan bangunan berbentuk lorong.

b. Periode Pengakuan (325-395 M).Agama kristen akhirnya diakui agama negara oleh kaisar Constantine.

Sehingga banyak unsur-unsur romawi yang masuk dalam agama kristen. Kebutuhan ruang untuk tempat ibadah, tempat pembabtisan dan mousoleum. Kebanyakan bangunan digunakan untuk fungsi ini diambil dari ruang yang sudah ada dengan mengganti fungsinya. Sehingga bentuk yang dipaki sama seperti arsitektur romawi, namun fungsi, isi dan maknanya berbeda.

c. Perpecahan Kerajaan Romawi (395 M). Kekristenan menjadi legal pada abad ke-4. Masalah terbesar terutama

pada perekonomian negara dan pemberontakan suku-suku bangsa yang dahulu telah ditaklukkan oleh bangsa romawi. Kekaisaran romawi akhirnya pecah menjadi dua bagian timur dan barat. Setelah abad ke empat, dibawah pengaruh

14

imprelialisme awal arsitektur kristen sangat dipengaruhi oleh gya kerajaan romawi, yaitu bangunan berskala monumental. Gedung-gedung gereja dibagi menjadi dua tipe. Pembangunan gereja membawa pengaruh besar pada perkembangan seni lukis karena adanya kebutuhan untuk menghiasdindinh dan kubah dalam gereja.

2. SENI RUPA MASA KRISTEN AWAL.a. Patung.

Patung dari batu sarkofagus luas dipraktekkan dalam seni romawi dan dilanjutkan ke era kristen. Selain itu, pemahat gading dihiasi sampul buku dan peti mati mayat atau lebih objek, seperti tahta maximianus di ravenna.

b. Lukisan.Gaya (simbol) memiliki kesamaan karya-karya seni masa romawi

namun subjek (isi) berbeda. Pada zaman kristen awal tema berupa seorang gembala dengan domba-domba. Dalam karya seni lain terjadi perubahan yang signifikan dengan menghindari bentuk-bentuk alamiah greco roman.

c. Karya Seni Mozaik.Mozaik adalah teknik dalam seni lukis yang lebih awet dan tahan lama,

serta memiliki karakteristik estetis. Penggunaan mozaik dalam melukis bisa berbahan dasar dari kaca, maupun batu. Atau yang lebih terkenal dengan sebutan kaca patri. Mozaik dipakai sebagai hiasan didinding serta langit-langit gereja, yang mozaiknya masih bergaya tradisional melambangkan transformasi/perubahan.

d. Arsitektur Kristen Awal. - Arsitektur.

Bentuk gereja yang berasal dari basilika dengan denah panjang berbentuk silang latin dijadikan bentuk dasar yang akan dipakai untuk gereja selanjutnya. Ornamen sederhana yang hanya ditempatkan pada bagian interior seperti pada tampilan mozaik dinding dengan pola gambar naturalis.

- Bangunan-bangunan kristen awal.Pertemuan kebaktian orang-orang kristen mula-mula diadakan di

tempat-tempat rahasia. Karya seni lukisan dan mozaik gaya ini berasal dari abad pertama, banyak ditemukan dilorong-lorong bawah tanah, yang pada awal masa kristen merupakan tempat pemakaman. Pendapat mengenai pengaruh masa kuno terhadap basilika kristen dibuat berdasarkan basilika romawi yang juga berfungsi sebagai tempat pertemuan. Namun ada yang mengatakan, bahwa prinsip dasar basilika

15

kristen adalah rumah tinggal gaya romawi yang memiliki atrium di bagian tengahnya dan dikombinasikan dengan gaya susunan gedung pertemuan.

- Peninggalan-peninggalan kristen awal.a. Kredo Nicea.b. Basilika.c. Mouseleum.

E. Abad Pertengahan1. Zaman Yunani Kuno

Yunani Kuno adalah peradaban dalam sejarah Yunani yang dimulai dari periode Yunani Arkais pada abad ke-8 sampai ke-6 SM, hingga berahirnya Zaman Kuno dan dimulainya Abad Pertengahan Awal.Peradaban ini mencapai puncaknya pada periode Yunani Klasik, Periode Hellenistik bermula pada 323 SM, ditandai dengan berakhirnya penaklukan Aleksander Agung, dan diakhiri dengan penaklukan Yunani oleh Republik Romawi pada 146 SM. Meskipun demikian berdirinya kekuasaan Romawi tidak memutuskan kesinambungan sistem sosial kemasyarakatan dan budaya Yunani, yang tetap tidak berubah hingga bangkitnya agama Kristen, yang menandai runtuhnya kemerdekaan politik Yunani.Bangsa Yunani percaya kepada adanya dewa-dewi yang bertubuh seperti manusia, tetapi lebih indah, lebih besar, dan tak dapat mati. Para dewa-dewi mempunyai sifat-sifat seperti manusia biasa, seperti sifat-sifat yang baik maupun yang buruk.

Dewa-dewi ini pun berkeluarga dan mempunyai keturunan. Mereka saling berperang dan bersaing untuk memperebutkan pengaruh dan kekuasaan. Disamping itu, terdapat juga para hero atau tokoh-tokoh setengah dewa, yang meskipun sakti namun dapat mati. Hero yang terkenal adalah Achilles dan Herakles (Hercules).Menurut kepercayaan bangsa Yunani, terdapat 12 Dewa Olimpus yang juga dikenal dengan sebutan “Dodekatheon” dalam Mitologi Yunani adalah dewa dewi utama Yunani yang tinggal di puncak Gunung Olimpus . Ada sekitar 17 dewa dewi yang dianggap oleh masyarakat Yunani.Bangsa yunani juga dikenal karena peninggalan budayanya yaitu:Seni sastra,filsafat,ilmu penngetahuan, besreta seni rupanya yang megah dan agung.

2. Periode Abad Gelap

Selama abad gelap, di Eropa Barat tidak ada gaya khas yang berkembang. Mundurnya peradaban Romawi berakibat pada melemahnya upaya pengembangan gaya arsitektur orisinal. Kaum barbar, baik Jerman, Slav, maupun Finno-Ugria, paling banter hanya bisa membuat imitasi gaya arsitektur Romawi Barat yang tengah merosot itu.

16

3. Karya Seni Rupa Arsitektur

Sejarah Arsitektur yang menarik dalam sejarah Eropa Abad Pertengahan. Banyak ksatria Abad Pertengahan Inggris dan Eropa telah melakukan perjalanan ke Tanah Suci pada Perang Salib. Para ksatria telah melihat benteng kokoh megah Kekaisaran Bizantium dan bangunan-bangunan besar dipengaruhi dan merevolusi ide membangun istana Abad Pertengahan,

Teknik dan arsitektur. Para Motte Abad Pertengahan kayu dan istana Bailey pindah ke istana Norman dan batu ke kastil konsentris besar Abad Pertengahan dari Edward I. Gaya Gothic baru arsitektur dan dekorasi Abad Pertengahan muncul di Perancis.

Contoh arsitektur abad pertengahan

Seni patungSebagian besar daya tarik bangunan abad pertengahan berasal dari

patung yang begitu sering menghiasi mereka. Beberapa seni yang paling inventif dari Abad Pertengahan muncul di portal luas gereja-gereja, Dengan disposisi ritmis atas kolom dan dermaga, ruang terbatas dari biara monastik menawarkan kesempatan yang ideal untuk sebuah program diperpanjang

dekorasi patung.

Kepala adalah bagian simbolis kepala

tubuh untuk budaya Barat pada Abad Pertengahan, dari hari-hari

memudarnya kekaisaran Romawi

17

untuk Renaissance. Sejak zaman kuno itu menandakan tidak hanya kecerdasan, pusat kekuasaan, tetapi juga dianggap sebagai pusat dari jiwa. Wajah tidak hanya pusat identitas, tetapi juga merupakan kendaraan utama untuk ekspresi manusia, emosi, dan karakter. Dengan demikian, penggambaran kepala menjadi ujian sejati kualitas artis dan indikator menceritakan gaya.

Seni lukis abad pertengahan

Sebagai akibat terlalu kuatnya pengaruh agama di zaman pertengahan, seni lukis mengalami penjauhan dari ilmu pengetahuan. Ilmu pengetahuan dianggap sebagai sihir yang bisa menjauhkan manusia dari pengabdian kepada Tuhan. Akibatnya, seni lukispun tidak lagi bisa sejalan dengan realitas.

Kebanyakan lukisan di zaman ini lebih berupa simbolisme, bukan realisme. Sehingga sulit sekali untuk menemukan lukisan yang bisa dikategorikan “bagus”. Lukisan pada masa ini digunakan untuk alat propaganda dan religi. Beberapa agama yang melarang penggambaran hewan dan manusia mendorong perkembangan abstrakisme (pemisahan unsur bentuk yang benar dari benda.

Contoh lukisan

18

Tokoh pelukis terkenal diantaranya :

Albert Durer Jan Van Eyck Mathias Grunnewald

F. Zaman Reinassance1. Sejarah

Abad Renaisans (Bahasa Perancis/Bahasa Inggris: Renaissance; Bahasa Italia: Rinascimento; arti harafiah: kelahiran kembali) adalah sebuah gerakan kebudayaan antara abad ke-14 hingga abad ke-17, bermula di Italia pada akhir Abad Pertengahan dan kemudian menyebar ke seluruh Eropa. Gerakan ini mencakup kebangkitan pengetahuan berdasarkan sumber-sumber klasik, tumbuhnya panutan pada Sri Paus dan segala sesuatu yang anggun, perkembangan gaya perspektif dalam seni lukis, dan kemajuan ilmu pengetahuan. Gerakan Masa Pencerahan memberikan efek yang luar biasa pada semua usaha untuk mengembangkan ilmu pengetahuan, tapi mungkin yang paling terkenal adalah kemajuan dari segi kesenian dan kontribusi dari para polymath (orang yang memiliki ilmu yang tinggi dalam berbagai macam hal) seperti Leonardo da Vinci dan Michelangelo, yang menyebabkan munculnya sebutan “Renaissance Men”.

b. Karya Seni Rupa1. Lukisan

19

2. Patung

G. Barok-RokokoIstilah barok( baroque) sebenarnya

semula di berikan sebagai satu kritik. Berasal dari bahasa italia ‘’ barroco’’ yang bermakna bandul kalung dari abad pertengahan yang bentuk berlekuk lekuk. Selain itu juga di perkirakan dari bahasa portugis “barrocco” yang bermakna mutiara bentuk yang tidak biasa. Dari kedua makna dapat di simpulkan sebagai seni yang tidak beraturan, penuh lekukan dan cendrung berlebihan.

Pengertian racoco berasal dari bahasa prancis ‘rocaille’ dan ‘coquille’ yang bermakna batu dan kerang yang di gunakan untuk menghias bagian dalam gua buatan pada taman bergaya barok. Para ahli masih memperimbangkan apakah racoco merupakan improvisasi dari gaya barok.

Arsitektur interior tampil sangat megah, melanjutkan masa klasik namun lebih kaya akan ornamen. Ornament di terapkan secara penuh dan diinspirasi dari masa klasik yang anyak mengolah sulur-sulurn, bunga- bunga , tetumbuhan dan lekukan-lekukan yang di terapkansecara agak berlbihan dan seolah gerak dinamis.

20

1. Barok

Barok (baroque) lahir pada bagian kedua dari dari pertengahan abad ke-16 , sebagai pertanda bermula nya pengaruhh kesenian di italia yang sesudah tahun 1600 meyerbu ke seluruh eropa .

Barok berasal dari kata romawi yang berarti ‘’ tidak beraturan’’ atau ‘’ menyimpang’’. Dalam perkembangannya, Michelangelo dan palladio di anggap sebagai bapak barok, karena kedua seniman ini lah yang menjiwai paham ini.

Renaissance melepaskan cara berfikir zaman tengah yang berbau gereja . akibat kelanjutan pandangan hidup ini ia bergerak makin maju, lebih memperhatikan dunia ini secara rasional. Kemajuan pandangan inilah yang menghayati seni barok, sebagai mana lazimnya pertumbuhan seni yang sudah sudah.

Seni bangunan barok dapat di lihat pada gereja-gereja, istana,dan taman-taman. Di prancis, selain bangunan-bangunan negara, banyak terdapat hasil-hasil karya seni barok pada bagian dalam istana, hiasan-hiasan, permadani-permadani, kain-kain tabir dari brokad yang gilang-gemilanng.

Penaruh barok sampai juga ke belanda. Sebagai contoh terdapat balai kota middelharnis(1639), istana Amsterdam (1648), dan lain-lain. Masa peralihan zaman Renaissance ke zaman barok dapat di lihat pada gereja westerkerk di Amsterdam(1620).

Di Jermann , seniman-seniman barok terkenal di antaranya adalah franz joseph spingler, cosmos, dan egid quirin. Terutama egid quirin dan cosmos banyak sekali mengerjakan patung-patung dan dekorasi gereja barok.

21

Peter paul robens(1577-1640), seorang seniman belanda, pergi ke italia belajar pada seniman-seniman besar Italia pada zaman itu. Akhirnya Rubens inilah yang terkenal sebagai pelopor seni Barok. Rubens melukiskan tubuh-tubuh orang penuh dengan otot –otot serta tokoh-tokoh perkasa seperti karya gurunya, Michielangelo, disertai pula oleh warna yang gilang-gemilang yang diwarisi dari gurunnya, titian. Komposisinya merupakan manusia yang banyak gerak yang bergejolak gelisah.

Ciri yang jelas terdapat pada zaman barok ialah seniman lebih leluasa menempatkan dirinya pada hasil hasil karyanya, sehingga warana tampaknya lebihh cemerlang serta ukir-ukiran lebih bergaya , dan efek cahaya lebih mengesankan. juga gerak dan karakter pakaian , kainn-kain (drapery) pada seni patung lebih terlihat, hingga memperlihatkan gerak hidup yang sebenarnya.

Aliran Barok ini berkembang di belanda dengan baik dan subur. Pada masa itu seungguhnya ada dua kelompok besar seniman-seniman Belanda , yakni seniman Vlaam dan seniman-seniman dari utara. Kedua kelompok ini sangat berbeda dalam merealisasikan panggilan seni yang mengilhaminya, di sebabkan oleh suasana atau keadaan daerah mereka yang berlainan. Di utara mereka tidak dapat hidup seperti seniman-seniman Vlaam. Dan perkembangan aliran barok tak sepesat yang di dapatkan Rubens dari Selatan.

Adanya satu tradisi yang kuat di daerah utara, menyebabkan aliran Barok tak dapat begitu saja meluas dengan leluasa. Dan jika orang menuntut pelajaran melukis di Utara, akan terasa benar suasana sekolah. Seniman-seniman di Utara , sangat teliti mempelajari seni lukis. Mereka belajar pada seniman-seniman di Italia, sehingga dengan bersungguh-sungguh mencari karakter diri sendiri dan mempertinnggi mutu tehkniknya. Dengan landasan ini mereka mendirikan akademi yang pertama di bawah pimpinan hedrik goltzius(1558-1617). Dengan adanya

22

akademi ini, seniman-seniman belanda banyak mempelajari masyarakat dan alam sekitar negerinya, sehingga mereka menemukan gaya Belanda sendiri.

2. Rococo

Pada abad ke-17 Roma adalah pusat perhatian dunia di lapangan seni rupa, seperti paris pada masa sekarang. Di situ berkumpul seniman-seniman dari seluruh Eropa. Banyak jig yang bermukin untuk mempelajari karya-karya besar seniman Renaissance adalah penempatan pemandangan cara italia. Mereka mengikut jejak-jejak seniman-seniman Renaissance yang mempergunakan komposisi renaissance yang berdasarkan komposisi klasik, shinggga taman-taman, pohon-pohonan, semuanya di pangkas rata, tidak menjulang ke udara. Demikian pula aliran horizontalisme sangat berpengaruh, yang di sebut gaya italia.

Pada pertengahan abad ke-18 kelihatan pengaruh barok mulai menurun. Sifat-sifatnya yang lincah,penuh perasaan, mulai kabur. Hal ini di sebabkan oleh karena seni Barok sudah demikian tinggi mencapai tingkatan yang di tujunya, sehingga sudah tidak jalan lagi untuk perkembangan selanjutnya. Pada seni bangunan, terutama pada ornament-ornamen, tampak benar pengkaryaan yang sudah berlebihan. Keadaan yang demikian di namakan ‘’ Rococo’’, yakni suatu istilah penamaan kemunduran dari seni Barok. Istilah ini diambil dari kata ‘’Rocaille’’, yakni seni kulit kerang, suatu hiasan yang amat di gemri pada waktu itu, suatu hiasan yang amat di gemari pada waktu itu. Tetapi bukanlah karya seni yang tinggi mutunya, melainkan seni perasaan.

Jadi, Racoco bukanlah suatu aliran baru atau kelanjutan dari Barok yang dapat di anggap suatu kemajuan, melaikan suatu penamaan pada sifat-sifat kehancuran atau penyelewengan yang di bawakan oleh nya.

Di Prancis terlihat pengaruh Racoco lebih meluas setelah wafatnya Louis IV. Gaya Racoco Prancis yang khas adalah lukisan-lukisan Jean Antoine Watteau(1684-1721). Aliran ini membawakan sikap-sikan yang berkehendak pada kebebasan kosong, berlebih-lebihan, dan dibuat buat.Aliran Rococo memberikan ukiran dan hiasan yang berlebihan-lebihan. Bagian dalam bangunan penuh di hiasi ornament-ornamen yang tampaknya amat ramai, sehingga suasana tenggelam dalam timbunan ornamen. Dan bagaimanapun keindahan itu tidak menunjukan suatu kemajuan lagi

23

Karya Seni Rupa Masa Rokoko

H. Zaman Klasik

Seni lukis zaman klasik kebanyakan dimaksudkan untuk tujuan: Mistisme (sebagai akibat belum berkembangnya agama) Propaganda (sebagai contoh grafiti di reruntuhan kota Pompeii), Di zaman ini lukisan dimaksudkan untuk meniru semirip mungkin bentuk-bentuk yang ada di alam. Hal ini sebagai akibat berkembangnya ilmu pengetahuan dan dimulainya kesadaran bahwa seni lukis mampu berkomunikasi lebih baik daripada kata-kata dalam banyak hal.

1. Aliran Klasikisme

Adalah aliran pemikiran yang muncul di Eropa yang ditandai dengan gaya arsitektur klasik Eropa sekitar tahun 3000 SM ( jaman Yunani ) sampai abad ke – 17 dan 18 ( Jaman Barok dan Rokoko ) dan aliran ini memberi pengaruh kuat kepada kebudayaan saat itu secara keseluruhan.

Pengulangan gaya arsitektur yang dimulai pada abad ke – 18 di Eropa membuktikan bahwa arsitektur klasik masih diminati dan dianggap sebagai karya bermutu tinggi, sehingga gaya arsitektur baru pada jaman itu seakan tenggelam karena tidak memiliki ciri kuat jika dibanding dengan gaya aliran klasikisme.

Pengulangan gaya arsitektur klasik secara utuh atau dominan disebut dengan Neo-klasikisme. Dengan kata lain, Neoklasik adalah gaya arsitektur klasik yang dimunculkan kembali sesudah jaman klasik meskipun dengan konstruksi, material dan kadang fungsi yang berbeda, hal ini disebabkan karena kebutuhan orang akan bangunan dan teknologi yang semakin maju.

24

2. Sejarah awal

Kota Pompeii didirikan sekitar abad ke-6 SM oleh orang-orang Osci atau Oscan, yaitu suatu kelompok masyarakat di Italia tengah. Saat itu, kota ini sudah digunakan sebagai pelabuhan yang aman oleh para pelaut Yunani dan Fenisia. Ketika orang-orang Etruska mengancam melakukan serangan, kota Pompeii bersekutu dengan orang-orang Yunani yang kemudian menguasai Teluk Napoli. Pada abad ke-5 SM orang-orang Samnium mendudukinya (beserta semua kota di Campania). Para penguasa baru ini memaksakan arsitektur mereka dan memperluas wilayah kota. Diyakini juga bahwa selama pendudukan orang-orang Samnium, Roma sempat merebut kembali Pompeii untuk sementara waktu, namun teori ini belum terbuktikan.

3. Karya lukis zaman klasik

Fresko dekoratif:

"Dewi Europa

dan sang Lembu"

I. Neoklasik

Awal Revolusi Perancis pada sekitar tahun 1789, yang menjadi titik akhir kekuasaan feodalisme di Perancis telah berpengaruh pada perkembangan kebudayaan di dunia. Revolusi Perancis tidak hanya merupakan perubahan tata politik, tata sosial, tetapi juga berpengaruh pada bidang kesenian. Salah satunya yaitu pengaruh raja atas perkembangan seni telah berakhir.

Kelompok seniman sedikit demi sedikit menciptakan karya semata-mata memperturutkan panggilan hatinya masing-masing, melukis bukan karena pesanan atau order, melainkan karena ingin melukis. Maka timbul adanya kekuatan pribadi-pribadi seniman (semacam proses individualisasi dan isolasi diri) dalam berkarya

25

seni. Dengan demikian riwayat seni rupa modern dalam sejarah telah tampak tanda-tandanya pada masa ini.

Jacques Louis David (1748-1825) adalah pelukis neoklasik yang tekun mengikuti kaidah akademisme yang bersumber pada kesenian (kebudayaan) klasik dengan beberapa pembaruan, terutama dalam tema dan estetika.Neoklasik ini muncul mereaksi terhadap fenomena seni Barok/Rokoko dan menganggap bahwa seni Barok/Rokoko itu sudah menyimpang dari kaidah seni klasik, dengan sebutan jelek (ugly) dan penurunan nilai (dekaden). Maka Neoklasik berkeinginan untuk mengembalikan dan memurnikan ideal klasik, dengan mempelajari, menggali, dan mengembangkan kaidah-kaidah kuno Yunani dan Romawi klasik.

Neoklasik menggunakan pendekatan intelektual dalam berkarya, dan hal ini dipertahankan oleh David beserta pengikutnya. Bahkan David sempat mendirikan akademi untuk membina dan mengembangkan tradisi seni (klasik). Karya David, teman, dan muridnya memperlihatkan corak teknik, estetika, dan tema yang memperlihatkan kesamaan gaya dan konsistensinya pada kaidah klasik. Para kritikus seni abad ke-20 menyebutnya sebagai karya seni yang kaku, dingin, dan terlalu formal. Maka pantaslah jika seni neoklasik yang sudah bertahan puluhan tahun di Perancis dan sekitarnya ini akhirnya ditentang pula oleh Romantisme. Kaum Romantisme menentang Neoklasik dengan berbagai alasan, yaitu :

1. Neoklasik terlalu rasional dalam berkarya;2. Neoklasik menampilkan tema-tema cerita klasik sebagai cermin

kehidupan bangsawan;3. Neoklasik tidak menonjolkan peranan unsur pribadi.

a. Aliran Neo-KlasikAliran neo-klasik adalah lukisan yang bertujuan untuk mendidik dan

menanamkan kesadaran masyarakat atas tanggung jawabnya terhadap negara. Lukisan ini bersifat rasional, objektif, penuh dengan disiplin dan aturan, serta bersifat klasik.

26

Judul : SUMPAH HORATII.Karya : Jacques Louis David

Tahun : 1784

Berikut adalah ciri-ciri lukisan aliran neo-klasik:

1. Lukisan terikat pada norma-norma intelektual akademis.2. Bentuk selalu seimbang dan harmonis.3. Batasan-batasan warna bersifat bersih dan statis.4. Raut muka tenang dan berkesan agung.5. Istana sentris.6. Cenderung dilebih-lebihkan.

Salah satu tokoh aliran neo-klasik adalah Jacques Lois David. Jacques-Louis David lahir dari keluarga sejahtera. Namun ayahnya dibunuh dalam duel pada saat usianya masih sembilan tahun. Sedangkan ibunya pergi meninggalkannya. Ia lahir pada tanggal 30 Agustus 1748 dan meninggal pada tanggal 29 Desember 1825. Dia memiliki banyak murid dan memiliki pengaruh terkuat dalam seni Perancis pada awal abad ke-19.

Arsitektur Neoklasik lahir antara lain karena ditemukannya kembali peninggalan arsitektur Yunani dan Romawi, serta adanya perubahan politik antara lain revolusi Perancis (1789) dan Amerika(1776) menciptakan republik, dengan anggapan mengambil seni yang diasosiasikan dengan seni Yunani (demokrasi) dan Romawi (republik). Pada abad ke-18 orang (terutama yang senang benda antik dan arsitek) banyak tertarik untuk mengadakan perjalanan dan penggalian situs-situs lama, terutama Yunani.

27

Ciri-ciri arsitektur Neoklasik antara lain :

Garis-garis bersih, elegan, penampilan yang rapi (uncluttered) Simetris Kolom-kolom yang berdiri bebas

Prototipe yang umumnya dicontoh adalah arsitektur kuil. Hal ini dikarenakan arsitektur kuil dianggap sebagai bentuk paling murni dari arsitektur klasik. Kolom pada kuil benar-benar berfungsi untuk menopang bangunan (bukan dekorasi). Jadi dapat disimpulkan pada Arsitektur Neoklasik, fungsi dari kolom benar-benar menopang, bukan hanya dekorasi atau kolom yang berdiri bebas dan menopang entablatur.

1. Aliran Neo-Klasikisme di PerancisDi Perancis, aliran Neo-Klasikisme sangat berbeda dengan gaya Rokoko

sebelumnya. Pada aliran Neo-Klasikisme kontur bentuk dipertegas dengan garis, sedangkan pada gaya Rokoko disembunyikan dalam goresan kuas. Tema yang diangkat juga lebih serius, dengan memusatkan pada mitologi klasik dan tema-tema kesejarahan. Pendekatan rasional memunculkan kembali pandangan estetika Poussin dan menolak pandangan sensualitas Rubens. 

a. Jacques-Louis David (1748-1825) David merupakan pelopor aliran Neo-Klasikisme di Perancis pada akhir

abad ke-18. Ia bekerja pada Raja Louis XVI, namun karya-karyanya mencerminkan pandangan republikanisme. Ketika terjadi Revolusi Perancis David berperan aktif sekaligus dalam seni rupa dan politik. Setelah Napoleon mengubah pemerintahan republik menjadi kerajaan, David bekerja pada Napoleon dan mengembangkan gaya Neo-Klasik. Setelah Napoleon dikalahkan dan terjadi restorasi monarkhi di Perancis, David hidup dalam pengasingan di Brussels. Mengenai Biografi lengkap dan karya seni Jacques Louis David anda bisa lihat di url yang saya share.

28

b. Jean-Auguste-Dominique Ingres /(1780-1867) Ingres adalah murid David, yang menjadi tokoh Neo-Klasikisme di

Perancis sampai pertengahan abad ke-19. Tidak seperti David, Ingres tidak mengabdikan diri pada pemerintahan Napoleon ataupun pemikiran republikanisme Revolusi Perancis. Jika anda ingin lebih mengetahu lebih detail dan melihat karya Jean Auguste Dominique Ingres silahkan keurl tersebut.

2. Neo-Klasikisme di Luar Perancis 

Selain di Perancis, aliran Neo-Klasik juga muncul di Inggris dan Amerika. Tokoh aliran Neo-Klasik di Inggris adalah Angelica Kauffman dan di Amerika, Thomas Jefferson. 

a. Angelica Kauffman (1741-1807) Kauffman adalah pelukis wanita kelahiran Swiss yang belajar di Itali

dan kemudian menetap di London. Kauffman bersama-sama dengan Sir Jushua Reynolds mendirikan Royal Academy di Inggris. Kauffman banyak mengerjakan dekorasi untuk menghiasi interior Neo-Klasik yang didesain oleh Robert Adams. 

b. Thomas Jefferson (1743-1826) Thomas Jefferson adalah presiden Amerika Serikat yang ketiga dan

sekaligus arsitek. Jefferson merancang bangunan dengan gaya Neo-Klasikisme. Selama menjabat menteri untuk Perancis pada tahun 1784 sampai 1789, ia belajar tentang seni bangun Eropa moderen dan seni bangun Romawi kuno. Ia merancang beberapa gedung pemerintah di Amerika, di antaranya gedung pemerintah pusat negara bagian Virginia (Virginia State Capitol) dan gedung Universitas Virginia.

3. Ciri Utama Aliran Neo Klasikisme

a. Aliran Senirupa Neoklasikisme sangat rasional dalam berkarya sesuai kaidah akademi;

b. Neoklasikisme juga menampilkan tema-tema cerita klasik sebagai cermin kehidupan bangsawan;

c. Neoklasikisme tidak menonjolkan peranan unsur pribadi dalam berkarya senirupa.

J. ROMANTIKISME

Romantikisme adalah gerakan seni rupa yang muncul pada akhir abad ke-18. Dalam Romantikisme unsur emosi lebih diutamakan dari pada pikiran, tetapi seniman Romantik tidak hanya bekerja dalam satu gaya saja. Tidak seperti Neo-

29

Klasikisme, yang dapat disebut sebagai gaya, Romantikisme lebih merupakan falsafah atau pandangan. Aliran ini mendorong orang untuk menghayati perasaan melalui penghayatan indera serta lebih mempercayai intuisi dari pada pikiran. Romantikisme muncul dalam beberapa gaya, tetapi seni lukis di Perancis khususnya menunjukkan ciri khas Neo-Baroq, yang merupakan pengaruh Rubens.

1. Romantikisme di Perancisa. Theodore Géricault (1791-1824)

Theodore Géricault adalah salah satu tokoh pelukis Romantik di Perancis. Ciri khas lukisan Géricault di antaranya komposisi yang dinamis, figur yang kaku seperti patung, dan pencahayaan yang dramatis. Géricault merupakan pengagum Michelangelo, David, serta seni lukis Baroq. Salah satu karya Géricault adalah Raft of the Medusa (1818-1819) yang berukuran sangat besar, yaitu 4,97 x 7.16 m. Tema lukisan itu didasarkan pada peristiwa tenggelamnya kapal Perancis, La Medusa, di pantai Afrika pada tahun 1816. Di antara 150 orang penumpang di dalam kapal itu, hanya 15 orang yang selamat. Mereka membuat rakit dari puing-puing kapal itu dan terapung-apung di laut selama 13 hari. Dalam lukisan ini objek rakit dan figur-figur membentuk komposisi diagonal untuk menekankan kesan gerak. Unsur gelap-terang dibuat sangat kontras untuk menggugah perasaan. Untuk mencapai efek realisme yang begitu kuat, Géricault melakukan studi terhadap mayat-mayat di kamar mati. Dalam menggambarkan manusia telanjang, Géricault mendapat pengaruh dari Michelangelo. Theodore Géricault.

Raft of the Medusa (1818-1819).

b. Eugène Delacroix (1798-1863)Eugène Delacroix mendapat pengaruh dari Géricault serta inspirasi dari

Rubens. Berlawanan dengan Ingres, Delacroix mengutamakan warna dan goresan yang kuas sebagai ciri khas lukisannya yang penuh emosi. Beberapa karya Delacroix menjunjung nilai-nilai sesuai dengan isu-isu politik pada

30

zamannya. Adegan seperti dalam The Masacre at Chios (1821-1824) mendorong simpati bangsa Yunani dalam perang kemerdekaan melawan Turki. Karya Delacroix Liberty Leading the People (1830) mendukung semangat Revolusi Perancis pada tahun 1830. Banyak karya Delacroix yang lain mendapat inspirasi dari karya sastra. Karya Delacroix Death of Sardanapalus (1827) didasarkan pada puisi karya Lord Byron. Puisi ini mengisahkan seorang raja Asiria yang memutuskan untuk bunuh diri dan menyuruh agar semua harta bendanya dimusnahkan, dari pada jatuh ke tangan musuh yang akan menyerbunya. Dari tempat tidur kematiannya Sardanapalus menyaksikan sendiri gundiknya dan kuda-kudanya dibunuh saat berjuang membela diri. Pelukis Romantik menyukai tema-tema yang mengandung sensualitas dan kejahatan. Ungkapan kekerasan yang mencolok ditekankan dengan pencahayaan yang dramatis, warna emotif, goresan kuas yang ekspresif, dan gerakan figur-figur yang membentuk komposisi diagonal.

Eugène Delacroix. The Masacre at Chios (1821-1824).

2. Romantikisme di Spanyol

Franciso Goya (1746-1828) Selain sebagi tokoh seni lukis Romantikisme, Franciso Goya juga tokoh

seni grafis. Karya Goya mencerminkan gaya Baroq, dengan ciri-ciri pencahayaan dramatis, goresan kuas yang halus, dan komposisi yang menekankan kekuatan diagonal. Goya bekerja pada raja Spanyol, tetapi ia penganut republikanisme. Goya mendukung penyerbuan tentara Napoleon ke Spanyol dan berharap Napoleon akan melakukan reformasi di negerinya. Namun, setelah Perancis menduduki Spanyol, harapan itu musnah, karena melihat kekejaman tentara Napoleon. Setelah Perancis berhasil dikalahkan, Goya mulai membuat serangkaian etsa berdasarkan pengamatannya tentang

31

kekejaman tentara Napoleon. Karya Goya The Third of May, 1808 (1814) merupakan peringatan tentang peristiwa hukuman mati terhadap orang-orang Spanyol, yang melakukan perlawanan terhadap tentara Perancis di Madrid. Goya melukiskan orang-orang itu dengan penuh kekuatan emosi, dengan mengolah unsur gelap-terang. Ia menggambarkan figur tentara Perancis seperti robot, mengarahkan senapannya pada tawanan yang tampak tidak bisa berkutik lagi. Di sini tidak terdapat kesan heroik pada orang-orang Spanyol itu, tetapi kengerian sebagai korban ketidakadilan.

Franciso Goya. The Third of May, 1808 (1814).

3. Romantikisme di Inggrisa. John Constable (1776-1837)

John Constable berangkat dari gaya naturalisme dan dikenal dengan lukisannya yang menggambarkan alam pedesaan Inggris. Constable menyukai objek alam dan mengamati sifat-sifat transiennya dengan teliti, seperti awan dan iklim yang berubah-ubah. Ia biasanya melukis dalam ukuran kecil, sebagai studi yang dilakukan secara langsung di lapangan, yang kemudian dipindahkan dalam ukuran besar di studio. Karya Constabel The Hay Wain (1821) menimbulkan rasa puitis yang mencerminkan kecintaannya terhadap pemandangan alam Inggris. Lukisan itu menampakan kesegaran alam, dengan cahaya matahari dan awan bergerak di atas sebuah desa. Di sini tampak adanya perpaduan antara gaya naturalisme dan Romantikisme. Constable memperkenalkan teknik melukis dengan goresan kuas pendek-pendek dan warna yang terpisah-pisah, bukan bidang dengan sapuan warna campuran yang merata. Ia mengoleskan warna putih secara tebal, untuk mengesankan kilauan cahaya. Cara melukis ini dianggap sebagai antisipasi bagi munculnya Impresionisme di Perancis.

32

John Constable.The Hay Wain (1821).b. Joseph Mallord William Turner (1775-1851)

Joseph Mallord William Turner merupakan pelukis pemandangan alam Romantik, tetapi menunjukkan ciri-ciri yang jauh berbeda dengan Constable. Turner menggunakan pendekatan yang lebih transedental. Ia melukis gunung, laut, dan tempat-tempat yang ada kaitannya dengan sejarah, namun ia menterjemahkan objek-objek itu kedalam pernyataanpernyataan puitis yang sering melenceng jauh dari sketsa-sketsa awalnya. Kadang-kadang karyanya tampak mendekati abstraksi total sebagai studi suasana cahaya dan warna. Oleh karena itu, karya Turner sering dianggap sebagai rintisan Impresionisme. Namun, pendiriannya lebih subjektif dan dekat dengan Romatikisme. Karya Turner misalnya Fishermen at Sea (1796).

4. Romantikisme di Amerika Thomas Cole (1801-1848)

Thomas Cole adalah tokoh aliran Romantik di Amerika. Cole memimpin kelompok pelukis Hudson River School. Lukisan Cole berupa panorama yang mengkombinasikan naturalisme dan idealisasi keagungan. Cole melakukan perjalanan ke hutan-hutan untuk merekam alam secara langsung melalui sketsa-sketsa, dan kemudian menyelesaikannya dalam bentuk lukisan di studio. Dalam karyanya, The Oxbow (1836), Cole memperlihatkan gambaran visual tentang suatu tempat di tepi Sungai Conecticut. Dalam lukisan ini, awan tampak datang dari arah kiri komposisi dan memberikan kesan kesegaran. Thomas Cole.

The Oxbow (1836).

33

34

K. REALISME

Realisme dalam seni rupa abad ke-19 merupakan gerakan yang menolak tema NeoKlasikisme dan Romantikisme. Seniman Realis tidak mendasarkan karyanya pada tema mitologi Yunani dan Romawi atau tema dari Timur Dekat, tetapi tema “di sini dan kini”. Mereka mendasarkan tema lukisan mereka pada pengamatan sehari-hari. Realisme adalah aliran yang berusaha untuk menampilkan subjek dalam suatu karya sebagaimana tampil dalam kehidupan sehari – hari tanpa adanya tambahan embel – embel atau interpretasi tertentu.

1. Realisme di Perancis

a. Honore Daumier (1808-1879)

Honore Daumier dapat dianggap sebagai seniman Realis, karena karyanya menyuarakan isu-isu sosial dan politik. Daumier banyak mengabdikan dirinya dalam dunia karikatur. Ia bekerja sebagai kartunis politik, namun pada akhir hidupnya banyak berkarya seni lukis.

Honore Daumier. The Third Class Carriage (1862).

Karya Daumier The Third Class Carriage (1862) menggambarkan para petani miskin yang memenuhi gerbong kereta api Perancis penuh sesak. Rasa simpati yang mendalam terhadap penderitaan orang-orang itu diungkapkannya secara karikatural. Para petani tampak terpenjara dalam keterasingan dan kelas sosial yang tidak memungkinkannya lagi untuk keluar dari penderitaan itu.

b. Gustave Courbet (1819-1977) Gustave Courbet adalah pelopor gerakan Realisme pada pertengahan abad ke-19. Konsep Realisme Courbet adalah menolak tema yang tidak terkait langsung dengan pengalaman hidup yang nyata di suatu tempat dan pada waktu tertentu. Ia terkenal dengan ucapannya, “Perlihatkan aku bidadari, aku akan melukisnya.” Pernyataannya bahwa seniman harus melukis objek yang nyata dan ada diikuti

35

dengan manifesto Realisme dan pameran di “Paviliun Realisme” pada tahun 1855. Lukisan Courbet yang pertama, The Stone Breaker (1849), mengandung ciri-ciri pokok yang menentukan konsep Realisme Courbet. Karya Courbet ini dikritik berbau “sosialistik” pada masa itu. Karya Courbet yang lain misalnya ABurial at Ornans (1849-1950). Lukisan ini menampilkan tema yang tidak lazim tetapi diambil dari kenyataan, yaitu suasana pemakaman. Gustave Courbet.

The Stone Breaker (1849).

c. Edouard Manet (1832-1883) Gaya lukisan Edouard Manet merupakan inspirasi bagi perkembangan seni rupa moderen. Ia memulai penggunaan pewarnaan secara datar, menghindari gelap-terang khiaroskuro yang tradisional. Tema lukisan Manet banyak mengacu pada realisme Courbet. Ia juga dianggap sebagai salah satu seniman yang memunculkan gagasan seni untuk seni, bahwa goresan kuas dan warna merupakan unsur pokok dari realitas lukisan. Manet merupakan tokoh penting bagi pelukis-pelukis muda yang dikenal sebagai kelompok Impresionis. Meskipun ia tidak pernah secara formal sebagai Impresionis, karyakarya akhirnya menunjukkan ciri khas Impresionisme, yaitu penggunaan warna cerah. Edouard Manet. Lukisan Manet yang berjudul Olympia (1863) juga menampilkan figur wanita telanjang dalam konteks nyata. Lukisan mengingatkan karya Raphael Venus of Urbino, namun dimaksudkan sebagai potret seorang pelacur yang sangat terkenal di Paris. Seraya berbaring di tempat tidurnya wanita itu menampilkan tatapan yang ramah dan tanpa malu.

Olympia (1863)Manet.

36

2. Seni Rupa Amerikaa. Thomas Eakins (1844-1916)

Thomas Eakins menggabungkan seni rupa dan sains dalam fotografi maupun seni lukis. Ia pernah belajar melukis di Eropa pada pelukis akademik Jean-Leon Gerome. Ia juga mendapat pengaruh dari Velazquez, Rembrandt, dan Courbet. Ia tertarik pada gerak tubuh manusia, yang dihasilkannya melalui studi fotografi. Eakins termasuk seniman Amerika yang pertama kali menggunakan studi model telanjang untuk pembelajaran seni rupa, yaitu di Pennsylvania Academy of Fine Arts. Hal ini mengecewakan para kritikus konservatif pada masa itu. Karya Eakins The Agnew Clinic (1875) dan The Gross Clinic (1889) menggambarkan suasana di kamar operasi. Thomas Eakins. The Gross Clinic (1889).

b. Henry O. Tanner (1859-1937) Henry O. Tanner adalah pelukis Afrika-Amerika yang belajar pada

Eakins di Philadelphia pada tahun 1880-an. Lukisan Tanner yang terkenal berjudul The Banjo Lesson (1893) yang dikerjakannya setelah pindah ke Paris. Lukisan ini menunjukkan tema kehidupan sehari-hari dengan gaya Realisme objektif, yang merupakan pengaruh Eakins. Henry O. Tanner.Banjo Le sson (1893)

37

L. NATURALIS

Naturalisme di dalam seni rupa adalah usaha menampilkan objek realistis dengan penekanan seting alam. Hal ini merupakan pendalaman labih lanjut dari gerakan realisme pada abad 19 sebagai reaksi atas kemapanan romantisme.

Salah satu perupa naturalisme di Amerika adalah William Bliss Baker, yang lukisan pemandangannya dianggap lukisan realis terbaik dari gerakan ini. Salah satu bagian penting dari gerakan naturalis adalah pandangan Darwinisme mengenai hidup dan kerusakan yang telah ditimbulkan manusia terhadap alam.

Naturalisme melukiskan segala sesuatu sesuai dengan nature atau alam nyata, artinya disesuaikan dengan tangkapan mata kita. Basuki Abdullah melukis seorang perawan desa dengan pakaian lusuh justru tampak seperti bidadari. Tokoh Natularisme di Indonesia selain Basuki Abdullah adalahRaden Saleh. Saat ini semisal Choirun Sholeh.

Di dalam seni rupa adalah usaha menampilkan objek realistis dengan penekanan seting alam. Hal ini merupakan pendalaman labih lanjut dari gerakan realisme pada abad 19 sebagai reaksi atas kemapanan romantisme.

1. Sejarah NaturalisJohn Amos Comenius seorang filsuf yang hidup pada abad ke-16,

tepatnya tahun  1592-1670, dianggap sebagai seorang filsuf yang pertama kali memperkenalkan aliran naturalisme dalam pendidikan. Inilah mungkin awal sejarah munculnya aliran naturalisme, terutama yang berkaitan dengan dunia pendidikan.

Bidang seni lukis pun mengenal aliran naturalisme. Tetapi pandangannya berbeda ketika masuk ke dalam filsafat pendidikan. Menurut John Amos Comenius, pendidikan itu harus melihat anak didik sebagai mahluk ciptaan Tuhan. Oleh karena itulah, pendidikan yang mengikuti aliran ini  melihat manusia berkembang mengikuti alam.

Alam itu berkembang secara teratur sesuai dengan apa yang telah ditetapkan oleh Tuhan. Tidak ada percepatan karena memang berjalan secara alami. Ketika ada percepatan, artinya ada usaha diluar kemampuan alami sang anak. Perkembangan anak didik pun hendaknya dilihat secara sederhana tanpa melihat anak sebagai benda yang bisa dibesarkan menggunakan bahan yang tidak alami.

a. Tokoh-tokoh Aliran NaturalismeBerikut adalah beberapa nama tokoh-tokoh aliran naturalisme :

William Hogart

38

Johns Constable

M. IMPRESIONISME

Gerakan Impresionisme berkembang dari gerakan Realisme, yang meneruskan tradisi melukis berdasarkan pengamatan objek dalam kenyataan sehari-hari. Namun, tidak seperti seni lukis Realisme, seni lukis Impresionisme menggunakan warna yang terang. Pelukis Impresionis merekam kesan pengamatannya melalui goresan kuas yang tampak spontan dan kasar (sketchy), sehingga sering kali objek tampak kabur, tidak terfokus. Istilah “Impresionisme” muncul ketika kelompok pelukis tersebut menyelenggarakan pamerannya yang pertama pada tahun 1874. Istilah tersebut sebenarnya merupakan komentar bernada sinis oleh para kritikus pada waktu itu, karena karya mereka tampak seperti sketsa atau terkesan belum jadi. Kelompok Impresionis merupakan kelompok pelukis yang pertama kali konsisten dalam melukis di luar ruang. Metode melukis ini disebut dengan istilah plein air (open air). Dalam bentuknya yang murni, Impresionisme bermaksud menangkap kesan waktu yang singkat, merekam sensasi visual seperti apa yang tertangkap oleh mata. Impresionisme secara umum dapat

39

dianggap sebagai gaya seni lukis pemandangan alam, namun beberapa pelukis Impresionis menyukai objek manusia.

1. Claude Monet (1840-1926) Tokoh utama gerakan Impresionis adalah Claude Monet. Ia adalah pelukis Impresionis murni, yang mendasarkan karyanya pada sensasi visual sesaat. Monet pada dasarnya pelukis pemandangan alam. Objek-objek yang dilukisnya di antaranya ladang opium, tumpukan jerami, pemandangan kota, fasade katedral Gotik, dan stasiun kereta api. Karya Monet Impression-Sunrise (1874) mungkin merupakan asal-usul nama Impresionisme. Dalam lukisan itu, objek perahu-perahu tampak dalam latar air biru, dalam suasana pagi yang berkabut pada saat matahari terbit. Objek perahu dan air mengabur menjadi susunan warna yang mendatar pada permukaan lukisan.

ImpressionSunrise (1874).

2. Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) Pierre-Auguste Renoir lebih tertarik pada objek figur manusia, terutama figur wanita telanjang dari pada pemandangan alam. Keterlibatan Renoir dalam gerakan Impresionisme tidak selama seperti Monet. Pada tahun 1880-an ia meninggalkan Impresionisme, memilih kembali menggambarkan figur secara lebih solid.

Luncheon on the Boating Party (1881)3. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas sangat berbeda dengan pelukis-pelukis Impresionis lainnya. Ia tidak menggunakan warna yang menyala, tetapi lebih menyukai warna yang agak gelap seperti warna-warna yang digunakan Manet. Degas masih setia terhadap tradisi seni lukis klasik dan menunjukkan kemahiran dalam teknik menggambar sebagai unsur utama karyanya. Ia bahkan juga memberikan kontur pada figur-figurnya. Namun, seperti pelukis Impresionis lainnya, Degas mendasarkan tema karyanya pada

40

pengamatan terhadap peristiwa kehidupan sehari-hari. Lukisan Degas menunjukkan pengaruh seni cetak Jepang, yaitu pada sudut pandang yang sedikit ditarik ke atas. Ia menggunakan komposisi snapshot seperti dalam fotografi. Lukisan Degas ini misalnya The Absynthe Drinker (1876).

4. Berthe Morisot (1841-1895) Terdapat beberapa pelukis wanita yang tergabung dalam gerakan Impresionisme, di antaranya Berthe Morisot. Morisot terlibat sejak awal berdirinya gerakan tersebut. Karya Morisot mendapat pengaruh dari lukisan Manet. Tema karya Morisot terutama berkisar pada kehidupan sehari-hari pribadinya, yang merupakan golongan kelas menengah ke atas. Goresan kuasnya terkesan spontan dan kasar (sketchy) dan karya pastelnya tampak menunjukkan kepekaannya yang mendalam terhadap media tersebut. Karya Morisot misalnya The Artist's Daughter with a Parakeet (1890).

Artist's Daughter with a Parakeet (1890).N. POST-IMPRESIONISME

Post-Impresionisme merupakan gerakan seni rupa pada tahun 1880-an. Sesuai dengan namanya, gerakan itu merupakan kelanjutan dari Impresionisme. Seniman-seniman PostImpresionisme pertama-tama mendapat pengaruh dari gerakan Impresionisme, namun kemudian menolaknya, kecuali beberapa unsurnya yang mendasar seperti penggunaan warna yang cermerlang. Post-Impresionisme bukan merupakan gaya tunggal, melainkan meliputi beberapa kecenderungan gaya. Beberapa seniman Post-Impresionis, seperti Cezanne dan Seurat menghidupkan

41

kembali unsur Klasikisme. Seniman yang lain, misalnya Van Gogh dan Gauguin, memasukkan unsur Romantikisme dalam gayanya. Dalam Post-Impresionisme berkembang beberapa gerakan, misalnya Divisionisme, yang disebut juga Neo-Impresionisme atau Pointilisme, dan Simbolisme atau dalam seni lukis disebut Sintetisme. Beberapa seniman Post-Impresionisme yang lain mengembangkan gayanya sendiri secara lebih bebas.1. Georges Seurat (1859-1891) Georges Seurat merupakan tokoh gaya seni lukis

yang disebut Divisionisme atau Neo-Impresionisme. Divisonisme mendasarkan gayanya pada pencampuran warna secara optik, dengan teknik broken color, yang telah dirintis oleh Constable dan Delacroix. Gaya ini juga menggunakan goresan pendek-pendek seni lukis Impresionisme. Gaya Divisionisme atau Pointilisme Seurat muncul dari Impresionisme, yang mempertahankan tema yang realistik dan warna yang terang. Namun di sini warna disusun secara teratur dalam skema yang formal. Perbandingan warna-warna ditentukan secara pasti untuk mencapai efek campuran warna tertentu secara optik. Goresan kuas juga diatur sebagai titik-titik warna yang seragam. A Suday Afternoon at theGrande Yatte (1884-1886)

2. Paul Cezanne (1839-1906) Lukisan Paul Cezanne (1839-1906) juga mengutamakan struktur komposisi dari pada ekspresi perasaan. Cezanne mengikuti pendekatan Poussin dalam menggambarkan alam dan menjadikan Impresionisme lebih kuat dan monumental. Cezanne tidak tertarik pada teknik pewarnaan Impresionisme yang mengorbankan kekuatan bentuk. Ia tidak setuju dengan konsep cahaya yang mengaburkan dan melarutkan bentuk-bentuk, seperti pada karya Monet. Cezanne juga menemukan metode baru untuk menentukan ruang yang disebut color modeling. Dalam metode ini, warna digunakan secara terpisah untuk mewujudkan perspektif, sebagai alternatif untuk perspektif garis dari seni rupa Renaisans. Pemikiran dasarnya ialah penggunaan warna panas dan warna dingin, dengan efek timbultenggelamnya, untuk menciptakan sistem ruang secara jukstaposisi. Paul

42

Cezanne.Mount Sainte-Victoire (1906).

3. Vincent Van Gogh (1853-1890) Van Gogh juga mendapat pengaruh metode open-air dan warna terang Impresionisme, tetapi tidak mengikuti Impresionisme yang ortodoks. Kebanyakan lukisannya didasarkan pada objek alam, tetapi dengan menekankan perasaan berdasarkan penglihatan batinnya. Karya Van Gogh Starry Night (1889) menggambarkan pemandangan sebuah kota di bawah langit malam hari. Goresan kuas tampak meliuk-liuk dan bergulung-gulung dari bagian kanan komposisi, mengisari objek bintang dan bulan sabit. Kesan gerak bergelombang juga tampak pada objek pegunungan. Pemandangan alam di malam hari ini tidak lagi didasarkan pada pandangan objektif Impresionisme, tetapi dengan pandangan mistis. Vincent Van Gogh.

Starry Night (1889).

4. Edvard Munch (1863-1944) Edvard Munch adalah seniman Norwegia yang datang di Paris pada tahun

1899. Ia mendapat pengaruh dari Van Gogh, Gauguin, dan Toulouse-Lautrec. Munch mensintesiskan pengaruh ketiga seniman tersebut menjadi gaya lukisannya yang sangat personal yang menjadi sumber munculnya Ekspresionisme. Karya Munch The Sream (1893) mengkomunikasikan suasana kepanikan yang luar biasa, keputusasaan, dan ketakutan. Pola bentuk figur, air, dan langit yang bergelombang menunjukkan pengaruh lukisan Van

43

Gogh Stary Night. Penggunaan warna secara arbitrer merupakan pengaruh Simbolisme Gauguin, sedangkan efek perasaan yang menakutkan menunjukkan pengaruh lukisan Toulouse-Lautrec. Edvard Munch. The Sream (1893).

O. FAUVISMEPada tahun 1905 di Perancis muncul kelompok yang dikenal sebagai

kelompok Fauve. Mereka mengadakan pameran di Salon d’Automne, pameran independen yang menampilkan seniman-seniman radikal yang mengundang kritik tajam karena keberaniannya dalam menggunakan warna dan goresan kuas. Seorang kritikus menyebutnya sebagai “fauve” yang berarti binatang jalang. Meskipun istilah tersebut merupakan hinaan, para seniman itu kemudian mengadopsinya sebagai nama gerakan mereka, yang berlangsung sejak 1905 sampai 1908. Kelompok Fauve terutama mendapat pengaruh dari lukisan-lukisan Van Gogh, Gauguin, Cezanne, dan Seurat.1. Henri Matisse (1869—1954)

Henri Matisse adalah tokoh pelukis utama gerakan Fauve. Dalam lukisannya ia meneruskan pendekatan structuralis Cezanne terhadap susunan warna. Matisse juga menggunakan warna nonnatural dan kontur bentuk-bentuk-bentuk yang bergaris lengkung yang terdapat pada karya Simbolis Gauguin. Sebagai Ekspresionis, Matisse tidak memberikan komentar terhadap keadaan psikologis atau perasaannya yang mendalam. Sebaliknya, ia mengejar kepuasannya dalam kegiatan melukis itu sendiri. Ekspresionisme yang diarahkan Matisse pada gaya formalis merupakan sikap khas Ekspresionisme Perancis. Henri Matisse. The Joy of Life. 1905-1906. Henri Matisse. Harmoni in Red. 1908-1909. Matisse tetap memegang prinsip-prinsip gerakan Fauve selama hidupnya. Karya Matisse misalnya The Joy of Life. 1905-1906. Harmoni in Red. 1908-1909.

44

The Joy of Life (1905-1906). Lukisan ini mungkin merupakan karya Matisse yang paling penting. Lukisan ini merangkum perhatian kelompok Fauvism sebagai susunan garis ritmis dan warna pada bidang datar. Bentuk-bentuknya yang disederhanakan serta komposisinya menunjukkan pengaruh seni lukis Post-Impressionist. Karya Matisse yang lain misalnya The Red Room (Harmony in Red, 1908-1909). Dalam lukisan ini Matisse melanjutkan minat Matisse terhadap susunan color. Bentuk-bentuk dan warna-warna dasar diulang-ulang di berbagai bagian komposisi dengan maksud untuk mencapai suatu keseimbangan. Secara keseluruhan lukisan ini terkesan datar dan dekoratif, tetapi Matisse berusaha untuk mencapai harmoni antara kualitas dua dimensionalitas dan tiga dimensionalitas dengan beberapa garis yang mengesankan ruang.

2. André Derain (1880—1954) André Derain bersama-sama dengan Matisse mendirikan kelompok Fauvis

atau gerakan Fauvisme. Warna lukisan dekoratif Derain yang cerah, nonnatural, dan ekspresif juga memberikan ciri khas gerakan tersebut. Namun tidak seperti Matisse, Derain kemudian meninggalkan prinsip-prinsip Fauvisne dan kembali ke bentuk penggambaran yang lebih tradisional. Karya Derain yang terkenal misalnya London Bridge (Gambar ... 1906). Karya Derain ini menunjukkan keseimbangan penggunaan perspektif tradisional untuk mencapai kedalaman dengan penggunaan warna datar dan goresan kuas yang ekspresif. Warna-warna tersebut nonatural dan sangat kontras.

3. Georges Rouault (1871-1958) Meskipun berpameran bersama kelompok Fauve, karya Georges Rouault berbeda dengan karya teman-temannya. Ia menggunakan unsur-unsur formal maupun emosional yang diwariskan Van Gogh dan Gauguin. Ia menganut agama Katolik Roma dan karyakarya mencerminkan perasaan religiusnya. Karya Derain misalnya Head of Christ Karya Rouault Head of Christ dikerjakan dengan goresan kuas yang kuat, mengungkapkan perasaan seniman tentang penderitaan Yesus, Rouault menciptakan gambaran dengan kekuatan emosi. Isi ekspresi Rouault sangat berbeda dengan ekspresi Matisse dan Derain. Karya Rouault yang lain misalnya The Old King (1916-1937). Sewaktu muda Rouault pernah belajar membuat seni kaca patri (stained-glass). Dalam The Old King, kontur hitam membatasi bidang-bidang warna yang ekspresif, mengacu pada jendela kaca patri Abad Pertengahan. Bagian wajah raja mengungkapkan penderitaan batinnya.

P. EKSPRESIONISMEIstilah Ekspresionisme digunakan untuk menunjukkan seni rupa yang

mengungkapkan perasaan emosional. Gerakan ini berkembang pada awal abad ke-

45

20 berdasarkan seni rupa Post-Impresionisme. Di Eropa seni rupa Ekspresionisme dapat dibedakan menjadi Ekspresionisme Jerman dan Ekspresionisme Perancis. Ekspresionisme di Perancis lebih dipenuhi oleh struktur dan komposisi formal dan kurang mengandung emosi yang mendalam. Di Jerman ekspresionisme lebih merupakan curahan situasi psikologis dan perasaan yang mendalam.

Ekspressionisme adalah kecenderungan seorang seniman untuk mendistorsi kenyataan dengan efek-efek emosional. Ekspresionisme bisa ditemukan di dalam karya lukisan, sastra, film, arsitektur, dan musik. Istilah emosi ini biasanya lebih menuju kepada jenis emosi kemarahan dan depresi daripada emosi bahagia. Ekspresionisme juga didefinisikan sebagai kebebasan distorsi bentuk dan warna untuk melahirkan emosi ataupun sensasi dari dalam yang biasanya dihubungkan dengan kekerasan atau tragedi.

1. Sejarah Ekspressionisme.

Ekspresionisme adalah modernisasi gerakan , awalnya dalam puisi dan lukisan, yang berasal dari Jerman pada awal abad ke-20. Ciri khas adalah untuk menyajikan dunia semata-mata dari perspektif subjektif, distorsi secara radikal untuk efek emosional dalam rangka untuk membangkitkan suasana hati atau ide. Seniman Ekspresionis berusaha untuk mengungkapkan makna atau pengalaman daripada realitas fisik emosional.

Ekspresionisme dikembangkan sebagai gayaavant-garde sebelum Perang Dunia Pertama. Ia tetap populer selama Republik Weimar, khususnya di Berlin. Gaya diperluas ke berbagai seni, termasuk lukisan, sastra, teater , tari, film, arsitektur dan musik. Istilah ini kadang-kadang sugestif emosi kecemasan. Dalam pengertian umum, seperti pelukis Matthias Grünewald dan El Greco kadang-kadang disebut ekspresionis, meskipun dalam prakteknya istilah ini diterapkan terutama untuk karya abad ke-20. Penekanan ekspresionis pada perspektif individu telah ditandai sebagai reaksi terhadap positivisme dan gaya artistik lainnya seperti naturalisme dan impresionisme.

2. Lukisan exspresionis

46

Wassily Kandinsky , Tentang White II, 1923 Alvar Cawén , Sokea soittoniekka (Musisi Blind), 1922

3. Patung

Beberapa pemahat menggunakan gaya ekspresionis, seperti misalnya Ernst Barlach. Ernst Barlach (2 Januari 1870 - 24 Oktober 1938) adalah seorang pemahat Jerman ekspresionis zaman Renaisans, dan penulis. Meskipun ia adalah pendukung perang di tahun-tahun menjelang Perang Dunia I, partisipasinya dalam perang membuatnya mengubah posisinya, dan ia banyak dikenal untuk patungnya memprotes perang. Hal ini menciptakan banyak konflik selama munculnya Partai Nazi, ketika sebagian besar karya-karyanya disita sebagai merosot seni.

The Magdeburger Ehrenmal (1929),

yang menciptakan kontroversi besar

tentang anti-perang.

Q. KUBISME Kubisme adalah gaya abstrak formalistik yang pertama-tama berkembang

seiring dengan Ekspresionisme sebelum Perang Dunia I. Istilah Kubisme dapat digunakan secara umum untuk menunjukkan semua gaya abstrak geometrik pada

47

abad ke-20 atau secara terbatas menunjukkan gerakan-gerakan awal khususnya Kubisme Analitik dan Kubisme Sinthetik. Tokoh Kubisme adalah Pablo Picasso dan Georges Braque.1. Pablo Picasso (1881-1974) Picasso berasal dari Spanyol dan menjalani masa

kesenimannya di Paris. Ia adalah salah satu seniman terbesar abad ke-20. Picasso mengeksplorasi berbagai macam gaya dan kadang-kadang pada waktu yang sama berkarya dengan beberapa gaya sekaligus. Pada awal abad tersebut, setelah berevolusi dari periode biru dan merah jambu, Picasso merintis perkembangan seni lukis Kubisme. Ia berkarya dengan gaya Kubisme atau pun dengan gaya lain selama kariernya. Karya Picasso yang sangat terkenal adalah Les Demoiselles d’Avignon (Gambar ). Karya Picasso ini mendapat pengaruh lukisan-lukisan Post-Impresionisme Cezanne yang menggunakan tema orang berenang, tetapi dengan abstraksi lebih lanjut pada distorsi anatomi tubuh manusia. Penyederhaan geometrik pada figur-figur telanjang memberi inspirasi pada perkembangan Kubisme selanjutnya. Dua wajah yang mirip topeng mendapat pengaruh dari seni patung Afrikan. Pablo Picasso. Les Demoiselles d’Avignon. 1907.

2. Kubisme Analitik Dalam Kubisme Analitik objek-objek diamati dari berbagai sudut pandang. Lukisan menjadi catatan analisis seniman tentang sudut pandang yang bervariasi yang dikombinasikan secara simultan. Sebagai contoh, bentuk figur mungkin di dan bagian-bagiannya direduksi menjadi bentuk-bentuk geometrik sederhana yang disusun dalam bidang-bidang miring dalam komposisi. Lukisan-lukisan Kubisme Analitik dikerjakan dengan kisaran warna yang terbatas, misalnya coklat, hijau, dan biru yang kusam. Formalisme pada lukisan-lukisan ini berlawanan dengan estetika Ekspresionisme. Picasso bekerja sama dengan pelukis Perancis Georges Braque (1882-1963) dalam mengembangkan Kubisme Analitik. Mereka mengerjakan serangkaian lukisan eksperimental pada tahun 1909 sampai 1912. Dalam lukisan Braque, Houses at L’Estaque (1908), rumah-rumah diabstraksikan sebagai bentuk-bentuk

48

kubistik dan dikerjakan dalam kisaran warna hijau dan abu-abu kecoklatan yang redup. Tahap kematangan Kubisme Analitik dicapai dalam karya Braque The Portuguese (1911), dan juga dalam lukisanlukisan manusia dan alam benda karya Picasso yang menggunakan abstraksi secara lebih radikal. Georges Braque. Houses at L’Estaque. 1908.

3. Kubisme Sintetik Picasso dan Braque menemukan Kubisme Sintetik pada tahun 1912. Gaya ini mengembalikan warna dan tekstur pada seni lukis Kubisme. Dalam gaya ini mereka juga memasukkan bentuk-bentuk potongan sebagai unsur kolase dalam seni lukis, dan bahkan menyusun komposisi yang seluruhnya berupa kolase. Ketika Kubisme Sintetik berkembang lebih lanjut, lukisan kadang-kadang dikerjakan dengan meniru efek kolase, tidak menggunakan unsur kolase yang sesungguhnya. Karya Picasso The Three Musicians (Gambar ) dikerjakan dalam gaya Kubisme Sintetik, menggunakan bidang-bidang datar dan warna dekoratif. Lukisan ini seluruhnya dikerjakan dengan cat minyak, tetapi tampak seperti kolase yang terdiri dari potonganpotongan kertas. Pablo Picasso. Three Musicians. 1921.

4. Seni Patung Kubisme Konsep Kubisme meluas sampai pada seni patung. Karya Picasso Guitar (1912) meninggalkan tradisi seni patung, karena karya itu tidak dikerjakan dengan teknik membentuk, teknik pahat, atau teknik cor, tetapi berupa konstruksi lempengan logam dan kawat. Picasso. Guitar. 1912-1913.

49

Jacques Lipchitz (1891—1964) adalah salah satu pematung Kubisme yang penting di Paris. Secara khusus, ia mentransformasikan bentuk-bentuk datar Kubisme Sintetik kedalam bentuk pejal yang menyusut menjadi bidang-bidang. Man with a Guitar (1915), patung konstruksi dari batu gamping, adalah salah satu karya awal Kubisme yang terkenal. Karyanya selanjutnya Figure (1926—1930), meskipun pada dasarnya masih bergaya Kubisme, karya ini mengandung unsur ekspresi yang mungkin merupakan pengaruh patung Oseania atau Afrika.

R. ABSTRAK1. Sejarah Seni Lukis Abstrak

Louis Fichner dalam Understanding Art (1995) menyatakan, seni abstrak merupakan penyederhanaan atau pendistorsian bentuk-bentuk, sehingga hanya berupa esensinya saja dari bentuk alam atau objek yang diabstraksikan. Abstraksi, mengubah secara signifikan objek-objek sehingga menjadi esensinya saja. Seni abstrak diciptakan melalui dua pendekatan. Pertama, seni abstrak diciptakan tanpa merujuk secara langsung pada bentuk-bentuk eksternal atau realitas. Ke dua, seni abstrak berupa citraan-citraan yang diabstraksikan yang berasal dari alam. Seni abstrak diciptakan melalui proses mengubah atau menyederhanakan bentuk-bentuk menjadi bentuk geometrik atau biomorfik. Seni abstrak juga dapat diciptakan dalam bentuk ekspresif. Istilah nonobjective dahulu digunakan untuk mendeskripsikan jenis-jenis seni abstrak tertentu. Istilah ini kemudian ditinggalkan oleh para kritikus kontemporer dan para sejarawan. Mereka lebih memilih istilah seni abstrak daripada seni nonobjective. Seni abstrak muncul pada abad 20 dalam seni rupa Barat.

2. Seni Lukis Abstrak

Seni lukis abstrak dalam perkembangan sejarah seni rupa barat muncul pada abad 19. Romantisisme, impresionisme dan ekspresionisme adalah tiga aliran seni yang melahirkan seni abstrak. Memasuki penghujung abad 19, para

50

pelukis barat mulai mencari alternatif inspirasi selain dari pengaruh budaya Eropa.

3. Abstrak kubistisYaitu abstrak dalam bentuk geometrik murni seperti lingkaran kubus dan

segi tiga. Tokohnya pelopor aliran ini adalah Kazimir Malevich dari Rusia.

Contoh lukisan Kazimir

Malevich.

4. Abstrak Nonfiguratif

Yaitu abstrak dalam arti seni lukis haruslah murni sebagai ugkapan perasaan, di mana garis mewakili garis ,warna mewakili warna dan sebagainya. Tokohnya pelopoeny adalah Wassily kadinsky.

Contoh lukisan Wassily kadinsky.

S. DADAISMEIstilah Dada tidak ada maknanya (asalnya tidak jelas). Gerakan Dada

menciptakan karya seni rupa yang mengkomunikasikan konsep absurditas. Dada dapat dikategorisasikan kedalam konsep Fantasi (lawan dari Realisme). Gerakan ini muncul di negara-negara yang netral selama Perang Dunia I. Pusatnya adalah Zurich, Swiss dan New York (sebelum Amerika Serikat terlibat dalam perang itu).

51

Gerakan ini berpengaruh pada sastra, teater, musik, serta seni rupa. Seniman Dada menolak rasio, menganggap bahwa pemikiran rasional tidak efektif untuk menyelesaikan masalah dunia. Dada merupakan reaksi terhadap kengerian Perang Dunia I, yang dilihat seniman sebagai akibat pemikiran rasional. Karya Dada berusaha menggelitik masyarakat kelas menengah dengan menyajikan konsep-konsep absurd. Pada akhir Perang Dunia I Dada menjalar ke Jerman. Dada berlangsung sampai tahun 1934, ketika gerakan itu dinyatakan mati oleh gerakan Surealis.

1. Marchel Duchamp (1887-1968) Marchel Duchamp adalah pendiri gerakan Dada. Ia meninggalkan Perancis untuk menghindari Perang Dunia I dan mendirikan cabang Dada di New York. Duchamp mengawali kariernya sebagai pelukis. Ia mendapat pengaruh dari Kubisme Analitik, Futurisme, dan tema mekanisasi. Ia meninggalkan seni lukis dan mengabdikan dirinya pada gerakan Dada dan menghasilkan apa yang disebut “Ready Made”. Karya ini sebenarnya suatu bentuk “nonart” atau “antiart”. Ia mengambil benda-benda pakai bekas dan menyajikannya dalam konteks pameran seni rupa. Misalnya, ia menyajikan bekas urinal dan memberinya judul Fountain (1917).

Nude Descending a Staircase diciptakan Duchamp sebelum terlibat dalam gerakan Dada. Di sini Duchamp menggunakan susunan bentuk geometrik dan warna terbatas seperti pada Kubisme Analitik, yang digabungkan dengan konsep dinamisme Futuris. Lukisan ini menunjukkan penggunaan teknik multiple image (gambaran ganda) pada figur wanita yang sedang menuruni tangga. Duchamp membuat karya ini dalam dua versi. Versi keduanya mendapat kritikan tajam pada Armory Show di New York pada tahun 1913.

Bicycle Wheel (1913). Dalam karya ini Duchamp memasang roda sepeda bekas di atas bangku (dingklik), membuatnya menjadi tidak berguna lagi. Karena roda tersebut dapat diputar, karya ini dapat dianggap sebagai awal dari seni rupa kinetik (kinetic art).

L.H.O.O.Q. (1919). Dalam karya ini Duchamp mereproduksi lukisan Leonardo da Vinci Monalisa dan menambahkan kumis dan janggut pada wajahnya. Di bawah gambar itu ia menuliskan huruf L.H.O.O.Q. Huruf-huruf ini jika diucapkan menurut bahasa Perancis suaranya sama dengan kata-kata yang berarti permainan kata-kata tak sopan. Dengan memperlakukan salah satu karya besar itu, Duchamp bermaksud melawan standar yang mapan dalam seni rupa.

52

2. Man Ray (1890-1976) Seniman Amerika Man Ray mendapat pengaruh dari karya Duchamp. Ia menciptakan lukisan, foto, dan juga merangkai objek-objek seperti seniman Dada. Ia meniti sebagian besar kariernya di Paris.The Gift (Hadiah, 1921). Karya Ray ini merupakan rangkaian (assemblage) yang terdiri atas sebuah seterika bekas dengan paku-paku bekas yang ditempelkan padanya, membuatnya tidak ada gunanya lagi sebagai benda pakai. Karya ini sesuai dengan konsep ready made Marchel Duchamp dan absurditas pada Dada.

3. Hans (Jean) Arp (1887-1966) Hans (Jean) Arp adalah salah seorang seniman Dada di Zurich. Gagasannya yang sangat menarik adalah membuat kolase kertas yang disobek-sobek dan membiarkannya jatuh di atas selembar kertas. Setelah memodifikasi tata letak sobekan-sobekan kertas itu ia kemudian menempelkannya pada lembaran kertas itu dengan lem. Ia menyebutkan komposisinya itu “sesuai dengan hukum kebetulan.”

Mountain Table Anchors Navel’ (1925)

4. Max Ernst (1891-1976) Seniman Jerman Max Ernst adalah tokoh utama Gerakan Dada di Cologne. Karyanya mendapat pengaruh dari karya Seni Lukis Metafisik Giorgio de Chirico dan juga karya Duchamp. Ernst adalah seniman sangat inovatif. Salah satu temuannya adalah teknikfrottage, yaitu memasukkan unsur teknik gosokan (rubbing) yang dibuat dari berbagai benda dalam lukisan.

The Elephant of the Gelebes’

53

(1921)

54

T. SUREALISME

Surealisme berasal dari dua kata yaitu sur artinya bawah, dan realis artinya nyata, seperti kejadian didalam mimpi. Surrealisme adalah satu pergerakan pelukis dan penyair yang lahir berdasarkan nilai-nilai Dadaisme, yang mencapai kemutlakan atau kenyataan yang lebih (super-reality) dengan menggunakan unsur-unsur pengalaman alam mimpi dan bawah sedar dalam berkarya. Sebagaimana Andre Breton, pengasas Surrealisme ada menyebut, Untuk menghidangkan pengalaman-pengalaman alam mimpi dan realiti ke arah kebenaran dan kenyataan yang lebih (super-reality) (Osborne, Harold.1979:115).

Surealisme merupakan perkembangan utama gaya Fantasi pada masa antara kedua perang dunia, berdasarkan Manifesto Surealis yang ditulis oleh Andre Breton pada tahun 1924. Surealisme merupakan gerakan dalam sastra maupun seni rupa yang mengangkat dunia mimpi dan pengalaman nonrasional bawah sadar lainnya. Dalam seni rupa, Surealisme memiliki dua arah gerakan. Salah satu gerakan itu disebut Surealisme Representasional atau Surealisme Ilusionistik. Gerakan yang lainnya disebut Surealisme Abstrak atau Surealisme Otomatis.

1. Salvador Dali (1904-1989)

Seniman Spanyol Salvador Dali (1904-1989) adalah tokoh yang paling terkenal dari gerakan Surrealisme. Ia mengembangkan bentuk representasional Surealisme, yang mengandalkan teknik ilusionistik yang berasal dari tradisi seni lukis akademik masa lampau. Teknik lukisan Dali menggunakan kembali unsur ruang pada seni rupa Renaissance, tetapi dengan tema irasional yang fantastik dan tidak mengenakkan secara psikologis, yang diambilnya dari dunia bawah sadar paranoia. Lukisan Dali Persistence of Memory (1931) menampilkan pemandangan yang menakutkan, mengesankan mimpi yang aneh. Di dalam pemandangan alam yang sepi terdapat sebuah pohon yang mati, sepotong daging yang menyerupai wajah manusia, jam yang lunak, dan semut-semut. Gunung dan air tampak di kejauhan. Bentuk-bentuk digambarkan dengan gelap-terang sehingga secara ilusionistik terkesan bersifat tiga dimensional. Salvador Dali.Persistence of Memory. 1931

55

2. Rene Magritte (1898-1967)

Rene Magritte adalah pelukis Belgia yang beraliran Surealisme Representaaional. Seperti Dali, ia menggunakan teknik illusionistik, tetapi dengan isi yang berbeda. Margritt sering menggabungkan alam mimpi bawah sadar dan alam kenyataan. Objek-objek dalam dari nyata dibuat menjadi kombinasi absurd untuk menghasilkan efek psikologis yang menggelitik secara psikologis. Rene Magritte. The Call of the Summit. 1942.

c. Joan Miro (1893-1983) Pelukis Spanyol Joan Miro menampilkan sisi abstrak dari Surealisme. Lukisanlukisannya mengandalkan bentuk-bentuk nongeometrik yang berwarna datar. Bentuk ini kadang-kadang disebut sebagai bentuk-bentuk biomorfik, yang berarti meyerupai organisme biologis. Seni lukis Miro didasarkan pada automatisme. Istilah ini berarti “automatic action”, menunjukkan proses melukis seakan-akan dalam keadaan tidak sadar (trance) dan membiarkan pikiran bawah sadar mengontrol tindakan-tindakan selama proses melukis. Joan Miro. Dutch Interior. 1928.

d. Meret Oppenlieim (1913-1985) Meret Oppenlieim adalah pelukis Surrealis yang menggunakan teknik konstruksi, misalnya dalam Object (1936). Karya ini tersusun atas mangkuk, waskom, dan sendok yang diselimuti bulu. Dengan membuat tekstur benda-benda tersebut lain dari biasanya, timbul sesuatu yang mengganggu perasaan. Penggunaaan objek-objek nyata sehari-hari ini mendapat inspirasi dari Ready-Mades Duchamp. Meret Oppenlieim.Object. 1936.

56

U. REALISME SOSIALISTIK

Realisme sosialis adalah salah satu aliran dalam sosialisme yang bergerak dalam kancah sastra atau kesenian. Semangat realisme sosialis ialah untuk memenangkan sosialisme di tengah masyarakat. Maka di dalam sastra aliran realisme sosialis, realitas masyarakat adalah inspirasi untuk membuat karya. Yang di maksud dengan realitas masyarakat ialah kaum proletar, dan di atas pundak kaum sastrawan realisme sosialis tertanam tanggung jawab yang tidak ringan yaitu memberi penyadaran kepada masyarakat yang tertindas sehingga masyarakat tersebut berjuang untuk melawan sistem yang menindas tersebut.

Awal Mulanya Realisme Sosialis

Tendensi awal menuju realisme sosialis bermula dari pertengahan abad ke-19. Ditandai dengan adanya sastra revolusioner di Inggris Raya (puisi gerakan Chartist), Jerman (Herwegh, Freiligrath, dan G. Weerth), dan Perancis (literatur berjudul "Internationale" dari Paris Commune dan Pottier). Realisme sosialis merebak sebagai metode kesusasteraan pada awal abad ke-20 di Rusia, khususnya dimulai dalam karya-karya Gorky. Gaya serupa juga hadir dalam karya-karya penulis seperti Kotsiubinsky, Rainis, Akopian, dan Edvoshvili. Dengan mengikuti jejak Gorky, para penulis di sejumlah negara mengombinasikan antara penggambaran realistis tentang kehidupan dengan ekspresi pandangan hidup sosialis. Penulis-penulis dimaksud termasuk Barbusse, Andersen Nexø, dan John Reed.

Aspek politik dalam realisme sosialis, dalam pengertian tertentu, merupakan kelanjutan dari kebijakan negara pra-Soviet. Penyensoran dan usaha-usaha pengendalian konten kesenian tidak dimulai oleh rezim Soviet, tapi sudah berjalan jauh sebelumnya dalam kehidupan masyarakat Rusia. Pemerintahan rezim tsar juga melihat adanya potensi efek diskruptif dari kesenian dan mewajibkan seluruh buku untuk dibersihkan melalui proses sensor. Para penulis dan seniman pada abad 19 di era Rusia Imperial menjadi cukup mahir dalam menyiasati penyensoran tersebut, dengan cara membuat pesan-pesan mereka tersampaikan tanpa harus menyatakannya secara tersurat dalam kata-kata. Meski, sensor rezim Soviet tetap saja sukar diakali.

Realisme sosialis dikenal menancapkan akarnya dalam neoklasisisme dan tradisi realisme dalam sastra Rusia dari abad ke-19 yang menceritakan kehidupan rakyat biasa pada umumnya. Contohnya kemudian hadir dalam filosofi estetikanya Maxim Gorky. Karya dari kalangan Peredvizhniki (Para Pengelana, sebuah gerakan realis Rusia pada akhir abad 19 / awal abad 20), seperti Jacques-Louis David dan Ilya Yefimovich Repin, juga memberikan pengaruhnya tersendiri.

57

Realisme Sosialis ialah produk dari sistem Soviet. Jika di dalam masyarakat pasar para seniman profesional meraih pencaharian dengan menjual karya atau ditugasi oleh si kaya yang memesan atau oleh Gereja, maka di masyarakat Soviet bukan hanya pasar yang ditekan habis, tapi juga hanya sedikit sekali (jika ada) individu yang bisa mempatronasikan seni sesuai seleranya, karena yang berhak untuk itu sema hanya satu institusi—yakni Negara itu sendiri. Oleh sebab itu, para sneiman menjadi pegawainya negara. Dalam situasi itu, Negaralah yang menentukan ukuran-ukuran yang menentukan seniman-seniman harus bikin apa. Yang dimaui dari kalangan seniman ialah mereka bisa memiliki kualifikasi formal dan mencapai standar kompetensi tertentu.

Negara Soviet, setelah Kongres 1934, meletakkan empat aturan yang kemudian dikenal sebagai Realisme Sosialis:

1. Proletarian: kesenian yang relevan terhadap kelas pekerja dan dapat dimengerti oleh mereka

2. Tipikal: gambaran adegan-adegan kehidupan rakyat sehari-hari 3. Realistis: dalam arti masuk akal. 4. Partisan: mendukung maksud dan tujuan Negara dan Partai

V. ABSTRAK EKSPRESIONISME

Abstrak Ekspresionime merupakan gaya nonrepresentasional dan merupakan perkembangan seni lukis Amerika yang penting, yang dikenal di seluruh dunia. Gerakan seni rupa ini berkembang selama tahun 1940-an dan menjadikan New York sebagai pusat seni rupa dunia. Gerakan ini juga disebut sebagai New York School.

1. Action Painting dan Color Field Painting

Abstrak Ekspresionisme tetap merupakan gerakan seni rupa yang menonjol sampai akhir tahun 1960-an. Gerakan ini dapat dibedakan menjadi dua cabang, yaitu Action Painting dan Color Field Painting. Action Painting menekankan proses melukis secara bersemangat. Color Field Painting menekankan pemikiran tang lebih formal tentang warna itu sendiri dari pada proses melukis. Dalam Color Field Painting, gagasan tentang komposisi digantikan dengan penempatan warna-warna pada bidang dasar warna yang luas, sehingga mampu mengaktifkan warna-warna tersebut.

a. Arshile Gorky (1904-1948)

Arshile Gorky merupakan pelukis transisi antara Surealisme dan Abstrak Ekspresionisme. Bentuk-bentuk organic dalam karyanya mirip dengan bentuk-bentuk biomorfis Miro, tetapi dengan goresan kuas yang lebih cepat. Teknik seni lukis Gorky menunjukkan pengaruh proses melukis otomatisme

58

pada Surealisme Abstrak. Lukisan Gorky The Liver Is the Cock’s Comb (1964) menunjukkan gaya seni lukisnya yang agresif. Di sini spontanitas ditunjukkan pada warna cerah dan goresan kuas yang ekspresif (painterly), seperti pada lukisan Ekspresionisme Kandinsky yang digabungkan dengan bentuk-bentuk abstrak Miro. Arshile Gorky. The Liver Is the Cock’s Comb (1964).

b. Hans Hofmann (1880—1966)

Hans Hofmann adalah tokoh penting dalam pengembangan Abstrak Ekspresionisme. Sebelum datang ke Amerika Serikat pada tahun 1932, seniman kelahiran Jerman ini telah banyak mendapat pengaruh pengaruh dari Fauvisme, Ekspresionisme, Kubisme, serta Surealisme. Gaya Abstrak Ekspresionisme Hofmann didasarkan pada aliran-aliran tersebut. Karya Hofmann berkisar antara abstraksi yang menekankan spontanitas dan bentuk-bentuk lainnya yang lebih bersifat struktural formal. Pada awal tahun 1940-an Hofmann bereksperimen dengan teknik drip technique (teknik ciprat) untuk mewujudkan seluruh komposisi lukisan yang berukuran kecil. DalamThe Wind (1942), ia mencipratkan cat dalam irama melengkung-lengkung. Teknik drip painting ini kemudian diterapkan pada ukuran lukisan yang lebih besar dan dipopulerkan oleh Jackson Pollock.

59

c. Jackson Pollock (1912—1956)

Seniman Abstrak Ekspressionisme yang paling terkenal adalah Jackson Pollock. Pollock mendapat pengaruh dari tulisan Carl Jung dan ia menakankan pada archetype (pola dasar). Ia juga mendapat pengaruh dari seni lukis pasir Navajo. Sejak tahun 1947 Pollock mendapat inspirasi dari teknik seni lukis drip Hofmann, yang pindahkan dalam ukuran lukisan yang sangat besar. Lukisan Pollock merupakan all-over composition (semua bagian permukaan lukisan memiliki peranan yang sama, tanpa pusat perhatian). Lukisan Pollock berjudul Autumn Rythm (1950) dan One (1950) merupakan contoh gaya Abstrak Ekspressionisme. Dalam lukisan ini Pollock sangat agresif dalam meneteskan, menuangkan, dan mencipratkan cat (cat rumah) pada kanvas yang digelar di lantai. Pollock is sering disebut sebagai Action Painter (istilah yang diberikan oleh kritikus seni rupa Harold Rosenberg). Action Painting menerapkan penekanan gerak tubuh, yaitu gerak lengan di atas permukaan kanvas. Dapat dikatakan bahwa Pollock melibatkan seluruh dirinya dalam proses melukis. Jackson Pollock. Autumn Rythm (1950)

Jackson Pollock.One (1950)

d. Willem de Kooning (b. 1904) Willem de Kooning juga termasuk dalam kategori Action Painter, meskipun ia tidak sepenuhnya meninggalkan figur. Dalam hal ini ia berbeda dengan pelukis Abstrak Ekspressionisme yang lain.

60

Namun, ia juga menggunakan gerakan energetik seperti halnya Pollock dan Kline. Willem de Kooning. Woman. Selama tahun 1950-an, de Kooning mengerjakan serangkaian lukisan abstrak dengan tema wanita, Woman Series. Goresan kuasnya yang kuat dan cepat serta warna yang cemerlang mengungkapkan rasa kebuasan (keganasan). Makna yang sesungguhnya dari objek wanita ini belum pernah dijelaskan sepenuhnya.

W. Pop Art

Pop Art merupakan gerakan seni rupa yang pokok pada tahun 1960-an. Gaya ini menunjukkan sikap menjauhi abstraksi menuju objek-objek yang dapat dikenali. Sebelumnya, terjadi perkembangan seni rupa yang menghantarkan kehadiran Pop Art, dengan menentang supremasi Abstrak Ekspresionisme.

1. Pre-Pop Selama pertengahan tahun 1950-an, terjadi perkembangan seni rupa yang dipengaruhi oleh semangat gerakan Dada dan upaya untuk lebih menyatukan seni rupa dengan kehidupan. Dalam hal ini, komponis John Cage, yang membuat komposisi musik dari suara kebisingan kota, memberikan pengaruh yang penting. Gerakan ini kadang-kadang disebut Neo-Dada.

Robert Rauschenberg (1925-) Robert Rauschenberg mengembangkan seni lukis kombinasi (combine-painting), yang menggunakan kolase dan benda-benda bekas (seperti dalam karya Duchamp) yang dikaitkan dengan kehidupan urban sehari-hari. Ia mengkombinasikan potongan-potongan asemblage dengan goresan kuas Abstrak Ekspresionisme. Robert Rauschenberg. Canyon (1959) Dalam Canyon, burung rajawali yang diawetkan muncul dari latar belakang kolase yang menyerang mata dengan berbagai macam gambar yang terkait dengan kehidupan moderen.

61

2. Seni Rupa Pop di Inggris

Pada akhir tahun 1950-an, beberapa seniman dan kritikus seni rupa di London terlibat dalam diskusi tentang budaya popular kontemporer. Beberapa di antaranya bahkan membuat karya yang memberikan inspirasi bagi Pop Art di Amerika Serikat. Oleh karena itu, menjadi perdebatan apakah sebenarnya seni rupa Pop ditemukan di Inggris. Seniman Inggris Richard Hamilton (1922-) merupakan tokoh yang penting dalam kelompok seniman London yang tertarik dengan budaya populer Amerika. Salah satu karyanya kadang-kadang dianggap sebagai pemicu gerakan Pop. Karya kolase Hamilton yang berjudul Just What Is It That Makes Today’s Home So Different, So Appealing?, dianggap banyak berisi unsur-unsur Pop Art yang muncul kemudian di Amerika Serikat. Kolase ini mengandung unsur-unsur seperti label dagang, logo produk, dan bagian yang ditonjolkan dalam buku komik. Bahkan kata pop muncul dalam karya ini. Richard Hamilton. Just What Is It That Makes Today’s Home So Different, So Appealing? (1956).

3. Pop Art di Amerika Serikat

Perkembangan Pop Art yang nyata terjadi di Amerika Serikat pada awal tahun 1960- an. Para seniman Pop memusatkan perhatian pada media massa dan gambar-gambar yang banal (sangat biasa) dari dunia periklanan. Mereka sering kali menggunakan teknik-teknik dalam pembuatan iklan. Beberapa seniman Pop memulai kariernya sebagai pelukis iklan atau pelukis billboard.

a. Andy Warhol (1925—1987) Andy Warhol merupakan seniman Pop yang paling terkenal. Ia memulai kariernya sebagai seniman iklan, kemudian beralih ke seni rupa murni. Ia menggunakan budaya populer dan dunia periklanan

62

sebagai sumber tema karyanya. Gambar objek-objek yang dapat ditemukan dalam kehidupan sehari-hari, tetapi jarang mendapat perhatian oleh masyarakat, diangkat secara serius sebagai karya seni rupa yang penting. Andy Warhol. Campbell’s Soup Andy Warhol. Coke Bottles Warhol sering menggambarkan deretan produk komersial, misalnya kaleng sop Campbell dan botol coke dalam lukisannya, misalnya dalam Campbell’s Soup dan Coke Bottles. Ia membuat gambar-gambar dengan proses mekanik dalam periklanan, misalnya photographic screen printing. Oleh karena itu, karyanya tampak impersonal (tidak mempribadi), berlawanan dengan lukisan Abstrak Ekspressionisme yang menggunakan kuas.

Coke Bottles

b. Roy Lichtenstein (1923-)

Roy Lichtenstein mendasarkan karyanya pada buku komik. Lichtenstein mengambil frame gambar yang kecil dengan pola titik-titik warnanya, kemudian membesarkannya menjadi gambar yang monumental. Ia juga berusaha mentransformasikan gambar komik menjadi karya seni rupa yang lebih berharga, dengan mengubah dan mengembangkan komposisinya. Lichtenstein juga menerapkan proses mekanik dalam seni periklanan. Roy Lichtenstein.

Whaam (1963)

63

X. MINIMAL ART

Minimalisme merupakan kecenderungan gaya yang berpengaruh pada seni patung, khususnya pada tahun 1960-an. Gaya ini juga disebut Primary Structures atau juga ABC Art. Minimalisme memiliki ciri khas penyederhaan geometrik yang ekstrem dan sering kali menggunakan bentuk-bentuk paling dasar, misalnya sebuah kubus. Meskipun berbentuk geometrik, karya Minimalis tidak berkenaan dengan bidang-bidang or komposisi tradisional Kubisme. Namun, bentuk karya di sini dimaksudkan untuk dihayati dalam makna yang mendasar, tanpa membutuhkan analisis komposisi lebih lanjut. Minimalism dapat dihubungkan dengan perkembangan dalam dunia arsitektur and mengikuti ajaran Mies van der Rohe “less is more.” Minimalist art juga bersifat impersonal dan nonsensual, menghindari semua tanda-tanda olahan tangan. Seni patung Minimalist dibuat dengan teknologi pabrik berdasarkan desain oleh seniman.

1. Pelukis-Arsitek yang beralih menjadi Pematung

a. Donald Judd (b. 1928)

Donald Judd (1928-) adalah pelukis sekaligus arsitek yang menjadi tokoh pematung Minimalis pada akhir tahun 1960-an. Sebagai pelukis yang beralih ke seni patung, ia menyatakan pandangannya bahwa seni rupa seharusnya didepersonalisasi dan tidak menunjukkan sentuhan tangan si seniman. Menurutnya, seniman tidak harus terlibat langsung dalam pembuatan patung secara nyata dan karya-karyanya sendiri juga dibuat di pabrik. Selama tahun 1960-an karya patung Minimalist Judd biasanya merupakan kotakkotak aluminium atau baja yang dilapis galvanis dengan ukuran seragam yang disusun secara berderet pada interval yang tertentu. Karya Judd biasanya tanpa judul dan dipasang di sepanjang dinding baik secara horisontal maupun vertikal. Donald Judd. Untitled (1990)

64

b. Tony Smith (1912-1980)

Tony Smith adalah arsitek dan juga pelukis yang kemudian menjadi pematung. Smith mewujdukan patung Minimalis dengan ukuran yang monumental. Karyanya yang berjudul Die (1962) berupa kubus baja berukuran enam kaki dengan desain yang statik. Namun Smith lebih dikenal dengan karya patungnya yang lebih dinamik yang menggunakan bentuk-bentuk mencuat ke berbagai arah. Tony Smith.Die (1962)

Y. Conceptual Art

Conceptual art adalah menjadikan ide sebagai karya seni. Gerakan yang juga dikenal sebagai conceptualism ini merupakan seni dimana konsep atau ide dianggap sebagai karya melebihi unsur estetika dan material yang digunakan.

Conceptual art dapat ditampilkan dalam berbagai bentuk, mulai dari pertunjukan, kejadian, objek fisik, da media lainnya. Mulai dari pertengahan era 1960-an sampai 1970-an, seniman conceptual art menghasilkan karya seni yang berlawanan dengan standar dari seni. Para pelopor conceptual art menganggap bahwa karya seni mereka menyampaikan pesan kekhawatiran terhadap berbagai standar seperti estetika, ekspresi, skill, dan publikasi. Mereka menganggap sesuatu yang dianggap seni oleh para pelaku seni sudah tidak relevan.

Kemunculan conceptual art membuat perubahan drastis. Beberapa pihak menganggap conceptual art bukanlah seni. Meski begitu, conceptual art menjadi kelanjutan dari gerakan seni sebelumnya. Sejarah menunjukkan bahwa conceptual art sukses mendefinisikan ulang konsep karya seni sehingga akhirnya karya aliran ini diterima secara luas oleh berbagai kolektor, galeri, dan kurator museum.

65

Kemunculan Conceptual Art

Marcel Duchamp, seniman dari Prancis, dianggap merupakan sosok yang mengawali kemunculan conceptual art. Ia menampilkan beberapa prototipe karya conceptual art seperti, yang paling terkenal adalah Fountain yang dibuat pada 1917. Karya ini menampilkan kloset berdiri dilengkapi tandatangan nama samaran “R.Mutt”. Fountain diajukan untuk diperkenalkan pada pameran Society of Independent Artist di New York, namun mendapat penolakan.

Karya Fountain dari Marcel Duchamp merupakan sebuah objek seni yang tidak biasa saat itu. Karya ini bukan dibuat seniman, tidak ditujukan sebagai karya seni, dan bukan juga sesuatu yang unik atau membutuhkan keterampilan. Karya ini akhirnya mendapat pengakuan dari seniman Amerika Serikat Joseph Kosuth pada esai yang terbit di 1969. Menurut Kosuth, semua seni adalah konsep karena hanya hadir secara konseptual.

Istilah “concept art” pertama kali disampaikan oleh Henry Flynt sebagai judul artikelnya. Akan tetapi, makna istilah “concept art” menjadi berbeda ketika digunakan Joseph Kosuth. Pada pertengahan 1970-an, muncul berbagai karya conceptual art dalam bentuk publikasi, pertunjukan, teks, dan lukisan.

Munculnya conceptual art dianggap sebagai gerakan yang memperluas batasan tradisional. Karena itulah conceptual art sulit diterima pada awal kemunculannya di era 1960-an. Conceptual art terlihat sulit dibedakan dengan berbagai gerakan seni lainnya diawal kemunculannya.

Seiring perkembangannya, conceptual art berkembang dalam berbagai bentuk seperti seni pertunjukan, instalasi, body art, dan earth art. Konsep ini berkembang sebagai bentuk penolakan terhadap karya seni tradisional, menjadi upaya untuk melawan menjadikan seni sebagai komoditas, dan keyakinan terhadap pentingnya konseptual pada setiap karya seni.

66

Conceptual art mengusung konsep seni sebagai ide. Joseph Kosuth merupakan salah seorang yang pertama menyampaikan penjelasan conceptual art yang dapat diterima secara logis. Kosuth mempertanyakan alasan bahwa seni harus diwujudkan dalam bentuk visual, atau bahkan diwujudkan dalam media fisik apapun. Dengan meminimalisir penggunaan material pada seni, para seniman berusaha untuk memindahkan kriteria estetika dan status komoditas pada suatu karya artistik.

Selain seni sebagai ide, conceptual art juga mengusung konsep bahasa sebagai seni. Penggunaan bahasa dalam karya seni sebenarnya bukanlah hal yang baru. Akan tetapi, conceptual art menganggap bahasa sebagai bagian dari intelektualitas dan banyak terinspirasi dari studi terbaru di bidang linguistik. Tulisan yang biasa digunakan pada conceptual art biasanya berbentuk formulasi abstrak seperti perintah mendadak, pernyataan yang ambigu, atau sekedar kata tunggal yang menimbulkan berbagai asosiasi bagi penonton.

Conceptual art juga mengandung pesan kritis terhadap institusional dan anti-komodifikasi. Seiring perkembangan dunia seni, para pelaku seni mulai terdorong oleh kebutuhan pasar. Sebuah seni yang dianggap “baik” didorong muncul ke permukaan, dan “buruk” tidak diperhatikan. Sistem ini dianggap hanya memberi keuntungan pada sekelompok orang dan kaum elit.

Conceptual art juga menantang keberadaan authorship, atau kepengarangan. Karya kloset dari Marchel Duchamp menyiratkan pesan bahwa karya seni juga bisa diciptakan secara kolektif. Sol LeWitt, pada tulisannya berjudul “Paragraphs on Conceptual Art”, mendukung ide bahwa karya seni tidak harus selalu dikerjakan sepenuhnya oleh seniman.

Konsep terakhir dari conceptual art adalah photo-conceptualism. Konsep ini menunjukkan bahwa fotografi dapat terintegrasi ke dalam konsep atau sistem yang dirancang oleh seniman, sebagaimana coretan atau tulisan yang dulu digunakan untuk menggambarkan atau menyimpan suatu ide. Berdasarkan konsep ini, conceptual art memandang dokumentasi sebagai suatu karya seni, dan sebaliknya.

67

Conceptual Art: Antara Pop Art dan Kritik Tanpa Konsep

Sebelum conceptual art berkembang menjadi aliran seni, istilah conceptual sebenarnya telah digunakan pada berbagai situasi. Ada banyak karya seni yang sebetulnya berbentuk conceptual art ketika aliran ini belum diperkenalkan.

Sebelum conceptual art berkembang, dunia seni tengah mengalami perkembangan gaya baru bernama pop art. Ian Burn, salah seorang pelaku seni, menyampaikan pada 1972 bahwa karya seni dari Joseph Kosuth sebenarnya tergolong Pop Art, jika diperkenalkan pada pertengahan 1960-an dimana Pop Art sedang mewabah.

Kosuth merespon ucapan Burn dengan kesal dan menganggapnya sebagai upaya anti-conceptual. Menurutnya, ia hanyalah mahasiswa seni yang memiliki ide tapi tak memiliki semua yang dibutuhkan untuk mewujudkannya. Meski begitu, beberapa karya dari Kosuth dianggap menyerupai pop art dan membuat banyak yang bertanya-tanya mengapa karya seni mereka dianggap berbeda dari pop art.

Saat ini, keberadaan karya conceptual art mendapat banyak kritik. Misalnya seperti yang ditulis oleh ahli teori seni Michale Paraskos pada majalah The Jackdaw di 2013. Menurut Paraskos, karya conceptual art saat ini hanyalah karya yang melanjutkan apa yang terdapat pada sejarah. Karya ini bisa dibilang nyaris tanpa ide sama sekali. Ia menyampaikan bahwa mestinya jenis karya seni ini harus dipisahkan menjadi aliran baru bernama deconceptualism, atau conceptual art tanpa konsep.

Z. OP ART

Op Art disebut juga Optical Art), yaitu kecenderungan gaya yang mencapai popularitas pada tahun 1960s. Gaya seni rupa ini menggunakan landasan sains, dengan mengandalkan ilusi optik untuk mencapai efek-efek tertentu, sering kali mengesankan gerak. Dalam hal ini, Op art dapat dihubungkan dengan kinetic art. a.

68

Victor Vasarely (1908-1997) Tokoh dan teoritisi Op Art adalah seniman kelahiran Hungaria, Victor Vasarely, tetapi muncul seniman-seniman lainnya yang tergolong dalam gaya ini. Victor Vasarely.

Vega-Army (1973)

b. Bridget Riley (1931-)

Bridget Riley adalah seniman Inggris yang juga merupakan tokoh Op Art yang penting. Dalam karyanya, Current (1964) dan Crest (1964), ia menggunakan garis-garis hitam parallel dan bergelombang di atas warna dasar putih untuk menciptakan ilusi gerak ritmik, terkesan seperti riak air yang mengalir.

Bridget Riley. Crest (1964).

Bridget Riley. Crest (1964). Bridget. Riley Current (1964).

69